Pesadilla en Elm Street: el Origen
En este mundo de remakes en el que la industria de Hollywood nos ha dejado envueltos sin comerlo ni beberlo, al menos el remake de la original Pesadilla en Elm Street de Wes Craven, que aterrorizó el mundo en los ochenta, es interesante, va más allá del simple copy-paste de la película original para mirarla desde otra perspectiva y contarla de una manera en cierto modo diferente, lo que es de agradecer, porque para peliculón ya tenemos el original. Volviendo a los orígenes del mundo de los sueños... Pesadilla en Elm Street: el Origen.



TÍTULO ORIGINAL: A Nightmare on Elm Street
AÑO: 2010
DURACIÓN: 102 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Samuel Bayer
GUIÓN: Eric Heisserer, Wesley Strick (Personajes: Wes Craven)
MÚSICA: Steve Jablonsky
FOTOGRAFÍA: Jeff Cutter
REPARTO: Jackie Earle Haley, Kyle Gallner, Rooney Mara, Katie Cassidy , Thomas Dekker, Kellan Lutz, Clancy Brown, Connie Britton, Lia D. Mortensen
PRODUCTORA: New Line Cinema
WEB OFICIAL: http://www.nightmareonelmstreet.com/
GÉNERO: Terror | Remake
SINOPSIS: Nueva reedición de la clásica saga de terror sobre Freddy Krueger, un serial killer que aterroriza y mata a jóvenes durante sus sueños. En esta vuelta a los orígenes de la historia, el personaje de Freddy Krueger, hasta ahora casi siempre asociado al actor Robert Englund, es interpretado ahora por Jackie Earle Haley.
CRÍTICAS:
- "La película va yendo de menos a menos, aunque de vez en cuando se cuele una imagen para el recuerdo" (Michael Phillips: Chicago Tribune)
- "Moderadamente entretenida e instantáneamente olvidable. Pobre Freddy. No puedo evitar pensar que merece algo mejor." (A. O. Scott: The New York Times)
- "Como una banda de versiones con más técnica que talento, 'A Nightmare on Elm Street' recicla muy bien los grandes hits de la saga pero falla en capturar el entusiasmo del original" (Colin Covert: Minneapolis Star Tribune )
- "El guión de Wesley Strick y Eric Heisserer va en la dirección equivocada, dejando atrás el enfermizo sentido del humor de Freddy y convirtiéndole en un genérico hombre del saco (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Elizabeth Weitzman: New York Daily News)
- "Haley se gana sus galones, pero esta reedición de Bayer es un blando anticlímax. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Simon Crook: Empire)
- "Sigue manteniendo bastante bien la fuerza de la premisa (...) contiene elementos más adultos que la original (...) pero a los creadores les ha faltado atrevimiento" (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Producto insípido que vuelve a contarnos lo que Wes Craven en el título original pero sin elegancia, ironía ni impacto en sustos y asesinatos" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
- "Bayer suprime todo el misterio que el personaje de Krueger ha llegado a tener. (...) Ni se esclarece nada importante sobre sus orígenes (...) ni se superan las mejores secuencias de la serie. (...) filme innecesario (...) Puntuación: * (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)
- "La cinta, simplemente, no funciona. No hay novedades (...) todo es pobre (...) Puntuación: * (sobre 5)" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)
Fuente: Filmaffinity


Jackie Earle Haley, como esperaba, cumple como un Freddy Krueger sádico y aterrador, y pequeños guiños a la película original dejan una sonrisa de nostalgia en el espectador que ama la película de Wes Craven, y que también agradece que se quede tan solo en guiños y no traté de copiar algo que ya está perfectamente hecho.


Robert Englund y Jackie Earle Haley como Freddy

Como en toda película de terror parece que los tíos buenos son siempre los primeros en caer, y así va sucediendo. La Nancy de esta versión nada tiene que ver con la original salvo el nombre, ésta es sosa, insustancial y atontada, y el noviete otro tanto. Los personajes que Freddy persigue no llegan a cautivar como pudieron hacerlo Heather Langenkamp y Johnny Depp en su época, puestos a elegir aquellos que más me gustan son los dos primeros en caer (no menciono nombres para no hacer spoiler), pero Freddy, sin Robert Englund y con Jackie Earle Haley y un gran maquillaje no desmerece al personaje en absoluto, aunque para mi Freddy siempre será Robert Englund...


Heather Langenkamp y Johnny Depp en la película original

Robert Englund con su personaje

La película está lejos de convertirse en una grande del cine, pero al menos supone un remake interesante y a la altura, que se deja ver, entretiene, no destruye ni desmerece la obra original y la homenajea, por lo que para todos aquellos amantes de Freddy Krueger y su mundo de sueños merece echarla un vistazo.



Enlace a la saga original: Pesadilla en Elm Street

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Kick-Ass
Desde que vi la película tenía ganas de comentarla. Es una película que da lo que promete... y mucho más. Si en el trailer parecía divertida, gamberra y dura, en el largometraje es todo eso pero a lo bestia.


Kick-Ass se basa en el cómic dibujado por John Romita Jr. y escrito por Mark Millar, en el que un joven se pregunta lo que muchos frikis seguramente se han preguntado, después de tantos cómics y superhéroes, ¿por qué nadie ha intentado convertirse en uno de ellos?, pero el va más allá de la pregunta y se prepara para ser un superhéroe que combata el mal, solo que su mayor poder consiste en resistir palizas...


TÍTULO ORIGINAL: Kick-Ass
AÑO: 2010
DURACIÓN: 117 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Matthew Vaughn
GUIÓN: Jane Goldman, Matthew Vaughn (Cómic: Mark Millar)
MÚSICA: Ilan Eshkeri, Henry Jackman, John Murphy, Marius De Vries
FOTOGRAFÍA: Ben Davis
REPARTO: Aaron Johnson, Nicolas Cage, Mark Strong, Christopher Mintz-Plasse, Chloe Moretz, Elizabeth McGovern
PRODUCTORA: Lionsgate Films / Marv Films / Plan B Entertainment
WEB OFICIAL: http://www.kick-ass.es/
GÉNERO: Acción. Comedia. Drama | Comedia negra. Cómic. Superhéroes
SINOPSIS: ‘Kick-Ass’ gira en torno a Dave Lizewski, un estudiante de instituto que pasa desapercibido por todos, aficionado a los cómics, de donde saca un día la idea de convertirse en un superhéroe, aunque no tenga superpoderes, no haya seguido un duro entrenamiento y ni siquiera tenga una significativa razón para ello. Pero la vida de Dave cambiará para siempre cuando se encuentre con un par de locos vigilantes -la terremoto de 11 años Hit Girl y su padre, Big Daddy- y forje amistad con otro joven luchador contra el crimen, Red Mist. Y cuando todos se tengan que enfrentar al jefe de la mafia local, Frank D'Amico, sus alianzas y sus verdaderas habilidades serán puestas a prueba.
CRÍTICAS:
- "Ridículamente entretenida y con un ritmo perfecto, una ultra-violenta ráfaga cinematográfica que pisotea los lugares que otras películas se esfuerzan por alcanzar. (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Chris Hewitt: Empire)
- "Moralmente censurable (...) Digamos que eres un gran fan del cómic original, y crees que la película le hace justicia. ¿Sabes qué? Habitas un mundo en el que no estoy interesado. (...) Puntuación: * (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Insufla vida a uno de los géneros del cine más sosos (...) Prepárense para lo asombroso: Esta cosa hace que Nicolas Cage vuelva a resultar 'cool'. (...) Hit Girl, eres mi heroína. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Kyle Smith: New York Post)
- "Te reta a bucear en su anarquía. (...) La película pertenece a Moretz, de cuya sensacional interpretación se hablará durante años. (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
- "Empieza siendo un notable, divertido y gamberro ejercicio de reciclaje de situaciones en versión cafre, para acabar resultando un filme de enmascarados justicieros al uso, hiperviolento y de factura técnica impecable." (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Con un acabado digno de Raimi y escenas de acción frenética en la constelación de John Woo. Aunque excesivamente larga y descompensada, propone una fiesta a la que es grato acudir se esté o no familiarizado con los superhéroes." (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
- "La película de Vaughn se queda más cerca del ingenio que del genio, aunque, eso sí, sorprenderá a quien no se haya leído la superior, brutal historieta en la que se basa. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)
- "Entretenimiento cachondo, rayano a la provocación, con retranca y un deje británico (en el acento y la esencia) inusual (...) La película que cambiará la vida de los chavales que se atrevan a verla. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)
Fuente: Filmaffinity

No es ninguna sorpresa que en Hollywood se han quedado completamente sin ideas, y es por ello que recurren a otras fuentes de forma tan habitual últimamente, cuando no se trata de un remake de una película hecha hace décadas (en el mejor de los casos o un par de años en el caso más triste) se trata de una adaptación de un libro o de un cómic, algo que está muy de modo últimamente. Personalmente no me quejo en absoluto, me encanta el espíritu de los cómics, pero no tengo tanto tiempo como para ser fanática lectora, cinéfila empedernida y además una adicta a los cómics, por lo que mi conocimiento en el último sector es más bien escaso y aprendido de la opinión de personas cercanas. Así que para mí que adapten un cómic al cine es en cierto modo que me hagan la mitad de los deberes.



De vez en cuando esas adaptaciones son buenas y de vez en cuando pésimas, pero en el caso de Kick-Ass la película como tal me parece un auténtico regalo, pese a que, por lo que he leído, tiene diferencias tangibles con el cómic original, y es una de las pocas ocasiones que la película me genera la curiosidad suficiente como para tener ganas de leer el cómic, así que cuando lo haga ya os contaré de primera mano lo que opino de la diferencia entre ambas versiones. Por el momento solo puedo hablar de la película, dirigida por Matthew Vaughn.



El protagonista de Kick-Ass es Dave Lizewski, un chico normal de instituto, tímido, retraído y friki de los comics que un día decide, inspirado por los cómics que lee, convertirse en un auténtico superhéroe, el problema es que no tiene ningún superpoder y ni siquiera se ha entrenado nunca para algo de tal magnitud.. Lo primero que hace, como todo buen superhéroe, es elegir un nombre y procurarse un traje que oculte su verdadera identidad.


Pero cuando se pone manos a la obra el resultado no puede ser peor, es apuñalado y atropellado, increíblemente sobrevive y gracias a la brutal paliza adquiere lo más parecido a un superpoder que va a tener: su sistema nervioso queda inutilizado por lo que no siente dolor y sus huesos destrozados son reforzados con piezas metálicas, de modo que además de su insensibilidad al dolor obtiene una gran resistencia a las palizas.


De vuelta del hospital tras un largo periodo de recuperación vuelve a las andadas, inspirando a otros humanos a convertirse en superhéroes enmascarados, así conocerá a Hit-Girl, una niña de once años entrenada por su padre desde que antes de tener uso de razón y su padre, Big Daddy, y a otro extraño héroe Red-Mist.


Sorprendentemente, al menos para mí, la película es gamberra hasta la saciedad, violenta y dura, es decir, no es una película disney precisamente. No he leído el cómic pero, a priori, no parece dulcificar nada de lo que pueda ocurrir en él, lo que hace que la película sea auténtica y bestial, una verdadera diversión para el espectador, entre tiros, coreografías de lucha y diálogos para morirse de risa.


Debido al éxito de la película se rodará, por supuesto, una secuela llamada, como el propio cómic, Kick-Ass 2: Balls to the Wall, que llegará a nuestros cines en 2012.

En cuanto al reparto Aaron Johnson se mete muy bien en el papel de Dave Lizewsky, lo mismo ocurre con el pequeño descubrimiento Chloe Moretz encarnando a la letal Hit-Girl, como uno de los secundarios de la película yo también me he enamorado de ella (¡es la leche!). Nicolas Cage como Big Daddy y Christopher Mintz-Plasse como Red-Mist completan el grupo de superhéroes. Mención especial merece el malo malísimo de la historia Mark Strong en la piel de Frank D'Amico.


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REC
Y puesto a avalar el cine español, tras ver la magnífica Celda 211 he recordado otra película española que no es que sea ningún peliculón, pero desde luego no es el cine al que nos tiene acostumbrado este país.


De hecho los derechos fueron comprados para realizar la película en Estados Unidos, bajo el nombre Quarantine, estos yanquis y sus manías de rehacer las películas que no son suyas... en cualquier caso en su momento supuso toda una revelación y personalmente me parece que cumple con las expectativas. Así que aquí tenéis REC.


TÍTULO ORIGINAL: [REC]
AÑO: 2007
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Jaume Balagueró, Paco Plaza
GUIÓN: Jaume Balagueró, Paco Plaza, Luiso Berdejo
FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso
REPARTO: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Serrano, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell, Carlos Vicente, María Teresa Ortega, Manuel Bronchud, Claudia Font
PRODUCTORA: Filmax
WEB OFICIAL: http://movies.filmax.com/rec/
GÉNERO: Terror. Intriga. Zombies.
SINOPSIS: Cada noche, Ángela, una joven reportera de una televisión local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su ”misión“ de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana semiinconsciente, rodeada por decenas de gatos. De pronto, la mujer se lanza sobre un bombero, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es sólo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje único en el mundo: cuando los otros bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior.
CRÍTICAS:
- "Hay talento en sus creadores (...) funciona aunque resulte previsible y todo te suene a déjà vu. Lo que más me atrae de REC es su original planteamiento, la sensación de veracidad que desprende esa falsa telerrealidad, la mordaz descripción de los vecinos." (Carlos Boyero: Diario El País)
- "La idea de los directores es que su historia esté impregnada de autenticidad (...) Sus intenciones, francamente, se cumplen hasta límites asombrosos (...) Propuesta chocante y brillante (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Pertenece a esa rara estirpe de películas que logran dar miedo (muchísimo) sin renunciar a la (prudencial) distancia irónica. (...) Un muy bien articulado y tremendamente original cuento de horror. Puntuación: **** (sobre 5)." (Jordi Costa: Fotogramas)
- "Es rápida, estimulante y tensa. El espectador llega al final exhausto (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 5)." (Toni Vall: Cinemanía)
- "Inteligente e inquietante espectáculo (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

Fuente: Filmaffinity

Jaume Balagueró no es ningún nombre desconocido, si alguien sabe hacer cine de terror en nuestro país, con el permiso de Ibañez Serrador, es este joven que ya ha demostrado en más de una ocasión que tiene gran maestría en este campo, y es que consigue lo que debe, acojonar al espectador con historias que además cuentan con un argumento sólido y sin acudir a demasiados tópicos.

Personalmente la única película que he visto del director es Darkness, que por casualidad me puso un día mi chico porque le había gustado mucho, mientras la veíamos me habló de una de sus películas anteriores, que supuso el primer reconocimiento para este director del género, Los sin nombre. En cuanto acabó la película manifesté claramente que no contase conmigo para verla, ya había tenido bastante miedo viendo la presente. Ahora, años después, me replanteo esa idea y me surge la curiosidad suficiente como para enfrentarme a verla. Por su parte Darkness me pareció una película agónica y bien hilada, si bien había algunos puntos que, en mi opinión, se iban de madre, me quedó bien claro que su director llegaría lejos en el género, como está demostrando, puesto que sabe sumergirte en la película y aterrorizarte con ella como pocos.

La película triunfó en el Festival de Cine Fantástico de Sitges de 2007 obteniendo el premio a mejor director y mejor actriz para Manuela Velasco. También en los premios Goya tuvo su mención: mejor actriz revelación, para la misma protagonista, y mejor montaje, además de ser nominada a mejores efectos especiales.

En cuanto a REC, recuerdo la campaña de promoción que se hizo de la película, cómo más que mostrarte fragmentos de la película te enseñaban grabaciones en salas de cine de las reacciones que el público estaba teniendo al verla. Desde luego una forma curiosa e inteligente de crear curiosidad e inquietud en el espectador, aunque yo fui de aquellos que me negué a ser una de esas personas que saltase del asiento. Un par de años después la vi, cómoda en el sofá de mi casa, y pensé que mi reacción hubiese sido más taparme parte de la cara para ver entre mis dedos parte de la acción, como esconderte debajo de la manta para que nada te de miedo... resulta curioso cómo funciona el miedo en el cerebro humano.

REC está rodada como si se tratara de una historia real captada por casualidad por una cámara que es un personaje más de la película, llamado Pablo, el operador de cámara. Manuela Velasco en el papel de la reportera Ángela Vidal aparece frente a la cámara que lleva su compañero en una estación de bomberos con la misión de acompañarlos en una noche cualquiera para documentar cómo es la vida de estos trabajadores y esperando que se produzca alguna misión importante para poder grabarla. Al principio todo es tranquilo, la reportera se entretiene como puede, hasta que llega el momento de ponerse en acción, el cuartel recibe una llamada de emergencia de un edificio al que los bomberos acuden acompañados de cerca por los dos periodistas, pero nadie les ha preparado para lo que encontrarán allí.


En el portal del edificio encuentran a varios vecinos que comentan como una de las vecinas había gritado de forma alarmante por lo que llamaron a la policía y los bomberos. Los bomberos suben hasta el apartamento de la vecina seguidos por la insistente cámara que comienza a resultarles molesta. Nadie abre la puerta del piso por lo que se ven obligados a abrirla por la fuerza, al fondo del pasillo la mujer cubierta de sangre y vista en la penumbra se mueve de forma extraña, los bomberos tratan de convencerla de que los acompañe a la ambulancia, pero la mujer se muestra agresiva hasta que, en un descuido, consigue morder a uno de los policías.


Todos corren escaleras abajo en busca de la ambulancia para socorrer al herido policía, pero al llegar a la puerta del edificio la encuentran cerrada. El Ministerio de Sanidad ha decidido cerrar el edificio, en el que nadie podrá entrar ni salir de él, sin darles ninguna explicación. A partir de ese momento la pesadilla comenzará a hacerse real, prisioneros en un lugar en el que no saben qué ocurre, pero se sienten presas, tanto de lo que habita en el edificio como de lo que los ha encerrado desde el exterior.

La noche se hará eterna al ritmo de la cámara que sigue todos los movimientos de los vecinos, sus conversaciones, sus acusaciones y suposiciones, y lo más terrible como esa extraña infección se extiende entre todos ellos... en una noche que nada tiene de rutinaria para la unidad de bomberos ni para nadie en el interior del edificio.


En 2099 llegó la segunda entrega de [REC], bajo el título [REC]2, que personalmente aún no he visto. Se pretende concluir la saga con dos películas más, [REC] Génesis, que consistiría en una precuela que contaría el origen del virus y [REC] Apocalipsis, dónde se daría un fin a la historia, las películas están previstas para 2011 y 2012 respectivamente.

En cuanto a su remake americano, Quarantine, no tengo ningún interés en volver a ver la historia a la americana, prefiero verlo a la española. Se está preparando igualmente una secuela de la primera que, al parecer, no seguirá el camino de la segunda parte de la versión española.

En cuanto al reparto tengo que decir que en general, resultan bastante creíbles, si bien la que menos creíble me parece es precisamente la protagonista, Manuela Velasco, quién en ocasiones me resulta sobreactuada. El resto del personaje parecen lo que deben ser, personas asustadas que se enfrentan, cada una a su manera, unos de forma más heroica otros más egoístas, como la vida misma, a algo completamente desconocido que pretende arrebatar sus vidas.

Por cierto, ¿alguien me puede aclarar que pinta OT: la película en la filmografía de Balagueró?, lo cierto es que terrorífica debe de ser, aunque no me planteo verla para confirmarlo xD

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Eclipse, llegamos cegatos al Amanecer de los tiempos...
Tras ver la segunda parte de la saga, que personalmente me gustó mucho más que la primera, manifesté mis ganas de ver la tercera entrega, aquella que debía adaptar el libro de la saga que más me ha gustado con diferencia.


Después de ver Eclipse me planteo dos cosas: o tengo que volver a leerme el libro porque no tiene nada que ver con el recuerdo que guardo de él y lo que sentí al leerlo o definitivamente esta pastelada sin fin es una de las peores adaptaciones de libros que no puede considerarse ni película de lo realmente mala que es...


TÍTULO ORIGINAL: The Twilight Saga: Eclipse
AÑO: 2010
DURACIÓN: 124 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Slade
GUIÓN: Melissa Rosenberg (Novela: Stephenie Meyer)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe
REPARTO: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Billy Burke, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed, Elizabeth Reaser, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Cameron Bright, Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Michael Welch, Alex Meraz, Boo Boo Stewart, Catalina Sandino Moreno
PRODUCTORA: Imprint Entertainment / Summit Entertainment
GÉNERO: Fantástico. Romance. Thriller
PÁGINA WEB EN ESPAÑOL:
http://www.lasagacrepusculo.es/eclipse/
SINOPSIS: En esta tercera entrega de la exitosa saga de vampiros de las novelas de Stephenie Meyer, Bella tendrá que elegir entre Edward y Jacob. La ciudad de Seattle es devastada por una serie de misteriosos asesinatos que va en aumento, mientras una vampiresa busca venganza. Bella debe escoger entre su amor por Edward y su amistad con Jacob, consciente de que su decisión puede iniciar una batalla entre vampiros y licántropos. Rodeada de peligro y con su graduación acercándose, ahora se enfrenta a la decisión más importante de su vida... Dirige David Slade (30 Days of Night, Hard Candy).
CRÍTICAS:
- "Una entretenida mezcla de romance, acción y fantasía (...) Ha necesitado tres películas, pero la saga Crepúsculo por fin encuentra el tono correcto en 'Eclipse'" (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
- "La agradable sorpresa esta vez está en que el resultado se siente finalmente más como el 'blockbuster' [gran éxito] que se merecía esta franquicia ganadora." (Peter Debruge: Variety)
- "La mayor parte de su lánguido metraje consiste en conversaciones entre Bella y Edward, Bella y Jacob, Edward y Jacob y Edward, Bella y Jacob. Esto estaría bien si cualquiera de los tres fuera un conversador inteligente (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Eclipse (...) es una película notablemente más entretenida que cualquiera de sus predecesoras." (A. O. Scott: The New York Times)
- "Pretende ser más profunda respecto al triángulo amoroso, y más oscura en cuanto a sus intenciones, pero solo es más plúmbea, más ladrillo. (...) Al menos el guión sabe reírse de su propia desfachatez" (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Slade se atiene al guión (...) y ameniza, es un decir, el núcleo duro de esta novela rosa de espíritu mormón con la amenaza de unos cuantos vampiros neófitos que luego se queda en agua de borrajas" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
- "Esta tercera entrega es la más cargada de acción hasta el momento (...) Tanto ajetreo, sin embargo, no impide que el dilema romántico central siga siendo ridículamente inerte (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)
- "Tras la sorprendente y entretenida primera entrega y tras la vigorosa segunda (...) lo más sorprendente de este 'Eclipse' sea la cantidad de veces que los tortolitos (y ya son trío) se pueden decir cuánto se aman (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "La saga remonta el vuelo en su tercera entrega (...) una ensoñación juvenil ágil, tremendamente vistosa y con algunas ideas e imágenes fantásticas extraordinarias (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)
Fuente: Filmaffinity


La tercera entrega, a mi modo de ver, toma del libro todos los momentos románticos (obviamente ñoños) y les lleva aquí a la enésima potencia, haciendo de esta cinta una serie de ñoñerias sin fin que no tienen ni pies ni cabeza. Una de las cosas que me encantaba del libro en cuestión es que contaba con muchísima más acción que sus predecesores, para mí era el punto culminante de la acción de la historia, que iba increscendo desde el primer libro hasta llegar al tercero y posteriormente bajar de nuevo para tomar una perspectiva diversa en Amanecer. Pues bien, toda esta acción que yo esperaba y que tan magnífica parecía en el trailer, se queda en eso, lo que ves en el trailer. De todo el tostón de película yo diría que unos diez minutos o cuarto de hora son lo que equivale realmente a algo de acción y los dos ñoños de turno dejan de hablar, de darse besitos y de ser dos seres tan vomitivamente empalagosos (y casi ni en estos diez minutos dejan de serlo...).


ñoñeces varias


Además de la acción vista en el trailer lo único que nos muestran a mayores en la cinta es los mordiscos, las mutilaciones... (la carnicería vamos), pero en la versión cinematográfica no se les ocurre mejor manera de convertir la película en disney total y que no se vea una gota de sangre que convirtiendo a los vampiros en una especie de ¿hombres de hielo? que cuando les cortas una mano, por ejemplo, se rompe como si fuese de hielo, literalmente... solo tengo una palabra: ¡Ridículo!, si ya en la primera película la poca acción que se mostraba cumplía de sobra con las expectativas respecto al libro y se veía, ¡oh, Dios mío!, sangre... en esta tercera película el tal David Slade decide que eso es demasiado y alé todos convertidos en trocitos de hielo (¡mi no comprender!).

"uhm... ¿con cuál me quedo?"... ¡La muy tonta siempre se queda con el vampiro!

Y hablando del director, me llama la atención que teniendo en su filmografía dos películas como Hard Candy y 30 días de oscuridad, aquí sea tan remilgado y empalagoso a la hora de construir una historia de ¿amor? (no me canso de decir ñoñerías). Hard Candy nos cuenta de una manera en la que el suspense te hace agarrarte a la butaca cómo una niña, magníficamente interpretada por Ellen Page, le da la vuelta a la tortilla en lo que a juegos de pederastas se refiere. Se trata de una película que si bien no cuenta con una sola gota de sangre te mantiene continuamente el estómago encogido. En el caso de 30 días de oscuridad, se trata de una historia de vampiros totalmente diferente, llena de sangre, vísceras y escenas tensas por doquier, no puedo compararla con el cómic que adapta puesto que no lo he leído pero la película en sí me gustó bastante. Y resulta que ahora llega a Eclipse y hace... ¡esto!: Slade, por favor, deja las "supuestas" historias de amor que no te sientan bien ni a ti ni a los que tenemos que verlas después...

David Slade, director de... lo que quiera que sea esta pelícu...
lo que quiera que sea Eclipse


La película comienza bien, una escena oscura, una ciudad tenebrosa en la que un chico solo siente que algo lo observa, que algo lo persigue, hasta que lo encuentra y se muestra, ¡oh, Dios mío!, las únicas tres gotitas de sangre de la película cuando una garra corta la piel de su mano. A partir de ahí la película es un coñazo. Y no es que yo quiera que Eclipse se convierta en una película gore ni mucho menos, pero desde luego su historia tiene mucho más fondo que una sucesión sin fin de escenas ñoñas que solo me daban ganas de vomitar (desde luego ya empecé a ver la película con esas ganas puesto que antes tuve que tragarme el "maravilloso" trailer de la versión española de A tres metros sobre el cielo... como si no tuviesemos bastante con el asco de novela, la versión cinematográfica italiana... ahora van y la importan a España. ¡Empiezo a pensar seriamente que se acerca el apocalipsis y el fin de los tiempos!) y una acción más interesante que un montón de trocitos de hielo rompiéndose, entiendo que quieran dulcificar un poco lo sanguinario del libro en una película para todos los públicos y que va a estar plagada de niñas ansiosas por ver a su adorado Edward, pero el resultado de la película es de auténtica vergüenza.


un poquito de acción...¡por favor!


En fin, que me quedo con Luna Nueva, puesto que de Amanecer (las dos películas que por lo visto sacaran del libro) no espero demasiado visto lo visto y teniendo en cuenta que mi libro favorito de la saga es Eclipse, después Luna Nueva y la primera y última entrega empatan, ninguna me llama más la atención que la otra. En cualquier caso las veré (debo ser masoca, sí) ya puestos, así que ya os contaré cuando llegue tan ¿esperado? momento.

Y si en esta ocasión tengo que recomendaros algo, me decanto por recomendar el libro y esta imagen tan bonita que algún hábil fotógrafo nos ha dejado para la posteridad.



Enlace a Luna Nueva
Enlace a Crepúsculo

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Celda 211
Sé que tengo delito por no haber visto hasta ahora una película del calibre de Celda 211, que demuestra que realmente el cine español no está muerto y que tiene vida y calidad más allá de Amenábar.


Si algo sientes tras ver esta película, además de los millones de sensaciones mezcladas que la película te deja, es que estamos por resurgir y que Celda 211 es la primera muestra de ello. Personalmente así espero que sea y... Daniel Monzón... me quito el sombrero ante tu obra.


TÍTULO ORIGINAL: Celda 211
AÑO: 2009
DURACIÓN: 110 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Daniel Monzón
GUIÓN: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría (Novela: Francisco Pérez Gandul)
MÚSICA: Roque Baños
FOTOGRAFÍA: Carles Gusi
REPARTO: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Marta Etura, Vicente Romero, Manuel Morón, Manolo Solo, Fernando Soto, Luis Zahera, Félix Cubero, Joxean Bengoetxea, Juan Carlos Mangas, Jesús Carroza
PRODUCTORA: Coproducción España-Francia; La Fabrique de Films / Morena Films / Telecinco Cinema / Vaca Films
WEB OFICIAL: http://www.celda211.com
GÉNERO: Thriller. Drama.
SINOPSIS: El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta, liderada por el temido Malamadre. El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino...
CRÍTICAS:
- "Celda 211 es un thriller que se abre las venas y se desangra delante de tus ojos. El golpe inicial se presume demoledor, pero la brutalidad se diluye en las aguas tibias de una narración tensa, inteligente y muy bien llevada. Sus personajes tiran los estereotipos muros afuera, y en el patio hierve una lucha de indeseables en busca de dignidad. No es extraño cómo se queda el espectador recién llegado a este penal: perplejo ante un potentísimo drama carcelario que acojona. Luego el argumento tiene algún que otro giro algo efectista, pero al estar encerrado enseguida reaparece Malamadre con su voz aguardentosa, para clavarte su mirada y devolverte a la cruda realidad. Qué grande Tosar, magistral componiendo un personaje memorable, no sólo por cómo lo interpreta, sino por cómo logra que el público en la sala, la sociedad libre, consiga ver al ser humano que hay en todo recluso, aferrado a la violencia en nombre de sus principios. Como tantas veces hace la sociedad libre, vamos." (Pablo Kurt)
- "Peripecia llena de violencia e inteligencia (...) brillante película de género, probablemente la mejor española (o en español) del año. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Una de las mejores películas que ha hecho el cine español en mucho tiempo (...) Una narración tensa y compleja en la que todo posee fuerza, suspense, desasosiego y veracidad. Pasa volando y perdura en el recuerdo (...) Impresionante recital de Luís Tosar" (Carlos Boyero: Diario El País)
- "Un espectáculo trepidante, que maneja los hilos de la acción y del drama, el espacio cerrado de la prisión y los distintos puntos de vista sobre lo que ocurre con una desenvoltura cercana al virtuosismo. (...) interpretación apabullante de Luis Tosar" (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)
- "Excelsa recreación de Luis Tosar (...) Monzón trabaja con maestría las constantes del género carcelario (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Sergi Sánchez: Fotogramas)
- "Un bestial Luis Tosar estremece en este sorprendente thriller carcelario. (...) un guión muy bien atado (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 5)." (Irene Crespo: Cinemanía)

Fuente: Filmaffinity



La cinta comienza bañada en sangre, un hombre en su celda quema un plástico hasta obtener un filo lo suficientemente cortante tras lo que se corta las venas de la manera más eficiente... después la acción nos traslada a la llegada de Juan Oliver, novato funcionario de prisiones que se presenta el día anterior a su primer día de trabajo para conocer las instalaciones, a los compañeros, el ambiente de la prisión... vamos lo que pocos harían en realidad porque para perder un día de vacaciones por voluntad propia ya hay que tener ganas jeje. La cárcel es antigua y no está en muy buen estado, el desprendimiento de un pedazo de yeso del techo golpea en la cabeza al nuevo carcelero dejándolo inconsciente, al tiempo que se produce un motín en la cárcel. Los compañeros funcionarios, apresurados por salir de la zona de riesgo lo dejan dentro de una celda. La celda 211. Poco después Juan recupera la consciencia y descubre desde el interior de la celda lo que está ocurriendo fuera de ella. Con premura se dispone a hacerse pasar por un nuevo preso y es llevado ante Malamadre, el rey del cotarro.



Mientras veía esto pensaba: ya es mala suerte que todos los sucesos coincidan para llevar al protagonista a esa situación, pero lo que sientes al final de ella es cómo la vida puede cambiar en tan solo un segundo, por capricho del destino, por mala suerte, y todo tu mundo puede verse arrasado y volcado.



La cinta es fluida y directa en todo momento, la acción se sucede de forma vertiginosa llevando tanto al novato funcionario que se hace pasar por preso como a Malamadre y al resto de presos de la cárcel a una evolución que les condenará a todos a un mismo final. Vemos cómo el novato quiere salir de allí pero no puede evitar sentir cierta simpatía al tiempo que miedo por Malamadre, un personaje realmente sin igual, que se rige por sus propios principios, algo de lo que la mayoría de sus compañeros carece por completo, cómo entre ambos nace una extraña amistad que no podría haber ocurrido en ningún otro lugar ni tiempo, cómo la policía y los funcionarios en el exterior discuten sobre lo que hay que hacer, los mil caminos que cada uno de ellos tomaría, desde el más cruel y despiadado pasando por el puro egoísmo hasta llegar a la auténtica preocupación por la esencia humana, ya sea libre o condenada. Cada personaje tiene su propia visión de las cosas, visión que va cambiando y convulsionando conforme avanza la película, convirtiendo a los buenos en malos, a los malos en buenos, o en el fondo lo que realmente todos somos: personas con mil tonalidades que nunca sabremos cómo responderíamos ante algo así hasta que nos encontramos inmersos en ello.



Mucho más podría contar acerca de la película y los grandes valores y aciertos que tiene pero descubriría demasiado para aquellos que aún no la hayáis podido disfrutar y os aseguro que tenéis que verla sin saber nada, tan solo dejaros llevar por este micromundo carcelario.

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Las actuaciones de la película constituyen un gran acierto. El siempre increíble Luis Tosar se mete en la piel del carismático y temible Malamadre, que si bien es fiero también podía haber sido un cachorro si su vida hubiera sido otra. Alberto Ammann debutando en un espléndido papel, metido hasta la médula en la historia que vive Juan Oliver, un magnífico descubrimiento para el cine español en mi opinión. El siempre cumplidor Antonio Resines haciendo de malo como el funcionario más duro y cruel de la prisión, Utrilla. También aparece Carlos Bardem en una magnífica actuación como Apache, si bien no me acaba de convencer que le convirtieran en panchito jeje, pero da perfectamente el pego. Entre otros.



La película Celda 211 supuso la adaptación de la novela homónima escrita por el periodista Francisco Pérez Gandul, dirigida por Daniel Monzón, quién también ha tomado parte en el guión.

Celda 211 se convirtió en la película más aclamada en la XXIV edición de los Premios Goya, ganando ocho estatuillas de dieciséis nominaciones, entre ellas mejor película, mejor actor para Luis Tosar, mejor actor revelación para Alberto Ammann y mejor director. La coincidencia de Ágora de Alejandro Amenábar en el mismo año, que tuvo que conformarse con verse premiada en aspectos más técnicos, convirtió la gala en la más vista de la historia y supuso un gran encumbramiento para el cine español, cojo desde hace tanto tiempo. Ambas películas fueron, por supuesto, las más premiadas y alabadas.


Los dos protagonistas recibiendo instrucciones del director

Y lo dicho, después de ver Celda 211, confío que salgan a la luz más talentos como Amenábar y Daniel Monzón que hagan resurgir el cine español haciéndole un hueco en el resto del mundo. No os perdáis esta magnífica película.



Trailer

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Shyamalan: Fiel a sí mismo... como debe ser
Me permito enlazaros el siguiente post de Blogdecine sobre el director M. Night Shyamalan, tras unas declaraciones en las que ha decidido, ¡¡¡al fin!!!, ser únicamente fiel a sí mismo e intentar dejar de gustar a la crítica que no hace más que vapulearlo de la forma más surrealista que se me ocurre.


Mis felicitaciones, Adrián Massanet, por el post escrito. Coincido contigo, creo que somos muchos los que vemos el auténtico valor del cine de Shyamalan y personalmente me da pena tener que sentarme a contemplar cómo pierde parte de su talento al hacer sus películas tratando de agradar a una crítica que no quiere darle ni tan siquiera una oportunidad. Espero que a partir de ahora volvamos a ver al gran Shyamalan en estado puro y disfrutemos de su absoluta genialidad a la hora de contar historias.

Espero con ganas el estreno de su última película, The Last Airbender.

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Apocalypse Now
Si una película me ha deslumbrado dentro del género bélico, en el que poco a poco me adentro, es la magnífica: Apocalypse Now, que en mi caso he visto en su versión extendida, Apocalypse Now Redux.


No hay duda de que Francis Ford Coppola es un auténtico genio de la dirección de cine en cualquier género que trate de abarcar, prueba de ello la tenemos en su extensa y magnífica filmografía, de la que recientemente he descubierto esta inmensa joya que brilla con luz propia en cada escena. Pura poesía en movimiento.


TÍTULO ORIGINAL: Apocalypse Now (Apocalypse Now Redux)
AÑO: 1979
DURACIÓN: 153 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
GUIÓN: John Milius & Francis Ford Coppola (Novela: Joseph Conrad)
MÚSICA: Carmine Coppola
FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro
REPARTO: Martin Sheen, Marlon Brando, Dennis Hopper, Robert Duvall, Frederic Forrest, Albert Hall, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Harrison Ford
PRODUCTORA: United Artists (Omni Zoetrope Production)
PREMIOS: 1979: 2 Oscar: mejor fotografía, mejor sonido
1979: Cannes: Palma de Oro (ex aequo con "El tambor de Hojalata")
GÉNERO: Bélico. Drama | Guerra de Vietnam. Película de culto
SINOPSIS: El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encargado, en Camboya, la peligrosa misión de avanzar río arriba para eliminar a Kurtz, un coronel estadounidense renegado que se ha vuelto loco. En la profundidad de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz manda como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un dios.
CRÍTICAS:
- "Al capitán Willard le encargan un peligroso viaje río arriba hacia el interior de la selva camboyana. Su misión: matar a Kurtz, un enigmático coronel estadounidense instalado en aquella zona remota y que, aparentemente, ha perdido el juicio. Durante el trayecto, Willard comienza a sentirse fascinado por el currículum de Kurtz, al tiempo que empieza a conocer aspectos de la guerra que le harán comprender mejor las razones de ese hombre al que tiene que asesinar. Magistral disección de los horrores y sinsentidos de la guerra, en "Apocalypse Now" Coppola exprimió todo su dinero, ambición y talento -que no era poco- para rodar una fascinante bajada a los infiernos del conflicto de Vietnam. Por lo demás, Marlon Brando epata con un escalofriante personaje que consagra esta búsqueda de un coronel demenciado por los espantos de la más cruel creación del hombre. Una obra colosal, tan impresionante como inigualable. (Pablo Kurt)
- "Adaptación libre de la novela de Conrad que Coppola convierte en alegato antibelicista y cuyo metafórico viaje está jalonado por etapas que siempre parecerán ser definitivas. Inolvidable resulta la desaforada secuencia donde las palas de los helicópteros giran al compás de la música de Wagner en una danza macabra. El coronel Kurtz-Brando, cual semidiós, nos espera al final del viaje en su postrero reino de las sombras" (Rufo Pajares)
- "La versión definitiva de Apocalypse Now enriquece y lleva a los límites de lo insuperable a una de las obras medulares del cine moderno" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
- "Un espectáculo grandioso, desbordante y destructivo que muestra el horro de la epopeya bélica. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)
- "Apocalypse Now es el mejor film sobre la Guerra de Vietnam, uno de los mejores de la historia porque te lleva más allá de las demas películas sobre este conflicto, te lleva dentro de la oscuridad del alma. No se trata tanto sobre la guerra sino sobre como esta revela la verdad, de que hubiera sido mucho mejor jamás haberla descubierto". (Roger Ebert)
- “Todos los que han venido a Filipinas parecen estar experimentando algo que les afecta profundamente, cambiando su perspectiva sobre el mundo o sobre ellos mismos, lo mismo le ocurre a Willard en el transcurso de la película, desde luego a mi me está pasando algo y a Francis también.” Eleanor Coppola, esposa de F.F. Coppola.

Fuente: Filmaffinity


La película ya tiene solera, rodada en 1979, está considerada como un clásico imprescindible. Está basada en la adaptación de la novela El corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX, trasladando la acción a la guerra de Vietman.

Está avalada con dos Oscars de la Academia en las categorías de mejor fotografía y sonido, aunque estuvo nominada en ocho candidaturas candidaturas, mejor director, película, actor de reparto para Robert Duvall, guión adaptado, dirección artística y montaje. En el Festival de Cannes obtuvo la Palma de Oro.


En 2001, también en el festival de Cannes, Francis Ford Coppola presentó un nuevo montaje de la película, en la que se ampliaba su metraje hasta las tres horas y media de duración, bajo el nombre de Apocalypse Now Redux, consiguiendo que la película de culto de 1979 no defraudase a nadie, manteniendo la esencia de la película original y profundizando en ella. La versión inicial del rodaje era de cuatro horas que tuvieron que ser recortadas a la mitad para su estreno comercial a finales de los años 70. Personalmente la película no se me hizo en absoluto larga, sino simplemente perfecta.

En Apocalypse Now conocemos al capitán Willard, interpretado por un joven Martin Sheen, que es enviado a Vietman en busca del Coronel Kurtz, en la piel de Marlon Brando, un ex-boina verde que parece haber enloquecido creando una especie de religión en la que los nativos lo adoran y su propio ejército lo protege, llevando a cabo su propia forma de hacer la guerra con acciones brutales, a ojos de los militares al mando. Recorremos con Willard este largo viaje, encontrando a su paso miles de maneras de hacer la guerra, la de cada uno de los soldados que viven en ella.


En su viaje tendrá su propio equipo de compañeros, personajes que cambiaran con él, cada uno a su manera, algunos bajo el efecto de las drogas, otros encerrados en sus propios miedos, pero todos embarcados en la misma locura que se apoderó de Kurtz, van perdiendo las nociones de la realidad. Willard se planteará su misión, debe matar a uno de los suyos, lo que le hará considerar de qué bando está y le llevará a pensar en la propia raíz de la que germina una guerra, la lucha entre el bien y el mal, pero ¿quién dice qué es el bien y qué el mal en un lugar como Vietnam?. Se dejará seducir con cada gota de información que lee sobre Kurtz hasta llegar a convertirse en un ser similar al que han enviado a cazar.


Lejos de contar la historia de un héroe, Coppola nos muestra sus puntos débiles, su propia hipocresía, la ética en un mundo donde nada tiene sentido. En el viaje de Willard el propio espectador se deja seducir por la larga búsqueda del Coronel Kurtz, un personaje que se va construyendo desde su ausencia, carismático, enfermizo... hasta llegar a su propio universo, un lugar creado por él y para él, en el que aparece, por fin, su figura entre luces y sombras, haciéndote sentir que quieres más de ese personaje por el que has batallado durante todo el metraje.


En este punto solo existe una opción, dejarse llevar con su propio fanatismo, por la filosofía que cubre su universo, por la contradicción del propio Willard que se debate entre la atracción y el rechazo, entre el amor y el odio, hasta descubrir que tan solo es un ser humano que está roto y obrar llevado tanto por el amor como por el odio que siente por Kurtz.


Los escenarios y la propia historia van sumiéndose en una especie de irrealidad, en una nube surrealista y simbólica que contrastará con la guerra que acaba convirtiéndose tan solo en un telón de fondo.

No se puede negar que Apocalypse Now cuenta con escenas imprescindibles en la historia del cine, para empezar su introducción, el comienzo con la perfecta canción de The Doors, The End, perfectamente sincronizada con la imagen y el significado. Otro momento inolvidable es el de los helicópteros listos para bombardear el pueblo vietnamita al ritmo de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner.

"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam."

Esta frase del propio Coppola sobre la película pronunciada en su presentación en Cannes ha quedado para la posteridad, "Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietman, esto es Vietman", dado el auténtico infierno en que se convirtió su rodaje en las Islas Filipinas, en el que el propio Coppola perdió 27 kilos. El final de la cinta original, en el que Willard y Kurtz aunan fuerzas y repelen un ataque aéreo complicado, fue escrito de forma precipitada y a Coppola nunca le gustó. Él estaba buscando un final más esperanzador y en Apocalypse Now Redux la película termina con Willard en un bote, en superposición a la cara del ídolo de piedra hasta desvanecerse en negro donde aparecen los créditos de la película.

La película está plagada de caras conocidas hoy en día, aunque en su día el gran reclamo de la película era el actor Marlon Brando, valoradísimo en aquella época y con el ego un poco subido, lo que le costó a Coppola más de un disgusto a mayores dentro del rodaje. Se cuenta también que Martin Sheen sufrió un ataque al corazón en medio del rodaje, de lo que no cabe duda es de que fue un rodaje y una película dura como pocas.


Entre el resto de caras conocidas encontramos a Robert Duvall como el Coronel Kilgore, un hombre empeñado en hacer surf en medio de un bombardeo y alimentado por el olor a Napalm.


Un jovencísimo e irreconocible Laurence Fishburne en su debut cinematográfico como el miembro más joven del equipo que acompaña a Willard.


Un joven Harrison Ford cuando su rostro apenas comenzaba a ser conocido tras su participación en la primera entrega de La Guerra de las Galaxias, Dennis Hopper como fotógrafo seducido y entregado al universo creado por Kurtz, y Frederic Forrest como otro de los miembros del equipo que se embarcará con Willard en su loca misión y uno de mis personajes favoritos dentro de la película.


Como anécdota el cameo del propio Coppola que aparece fugazmente como reportero de televisión en una de las escenas de la película diciendo a la gente que actuase como si no estuvieran allí, en medio de una guerra. Me resultó tremendamente surrealista y fantástico.


Frases impactantes para una película imprescindible:

- "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

-"He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto...". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

"— ¿Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho?
— ¿Qué es?
— Es Napalm. Nada del mundo huele como eso. Me gusta el olor del napalm por la mañana. Una vez durante doce horas bombardeamos una colina, y al acabar subí, no encontramos ni un cadáver de esos amarillos de mierda. Que pestazo el de la gasolina quemada. Aquella colina olía a... a victoria. Algún día acabará esta guerra".
Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- "Me sobran cojones para hacer surf en esta playa". Coronel Kilgore (Robert Duvall)

"— Pero coronel, no podemos ir allí, Charlie está al acecho.
— ¡Charlie no hace surf!."
Coronel Kilgore (Robert Duvall)

- "Yo solía pensar que si moría en un lugar malvado, entonces mi alma no iría al cielo. Entonces, maldita sea. No me importa a donde vaya siempre y cuando no sea en este lugar". Jay "Chef" Hicks (Frederic Forrest)

- "Estáis peleando la nada más grande de la historia". Hubert de Marais (Christian Marquand)

- “Juzgar a alguien por asesinato en esta guerra sería como poner multas de velocidad en la carrera de Indianapolis.”- Willard (Martin Sheen)

- “No le niego un trago de agua a un hombre que tiene las tripas fuera”. Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- “La mierda se amontona en Vietnam con tanta rapidez que necesitas alas para no mancharte.” Willard (Martin Sheen)



The Doors - The End



La cabalgata de las Valkirias



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