50. En el último puesto de la lista quiero hacer un compendio de los malos de cine que provienen del mundo del cómic, como son el Duende Verde y el doctor Octopus en las películas de Spiderman, Megatron en Transformers, y sobre todo mis favoritos el Joker en Batman y Magneto en X-Men.


49. Darth Maul en La Amenaza Fantasma (Star Wars, episode 1: The Phantom Menace)
Ray Park interpretó a un sith que por supuesto no le llega a la suela de los zapatos al gran Darth Vader, pero que hubiese dado para mucho más.


48. Peyton Flanders en La Mano que Mece la Cuna (The Hand that Rocks the Cradle)
Rebecca De Mornay llegó a dar auténtico miedo en su papel de mujer enferma mentalmente que trata de recuperar a su familia perdida robándosela a quien considera culpable de su pérdida.


47. David en Jóvenes Ocultos (The Lost Boys)
Kiefer Sutherland conseguía seducirnos al tiempo que hacernos temblar en su papel de vampiro de nueva estética en Jóvenes Ocultos.


46. Deacon Frost en Blade
Continuando con villanos vampíricos el siguiente puesto es para Stephen Dorff en la primera película de la trilogía Blade, otro vampiro que conseguía seducirnos y atemorizarnos al mismo tiempo.


45. Alex Forrest en Atracción Fatal (Fatal Attraction)
Glenn Close acosa a Michael Douglas y su tranquila vida en esta película, tras un encuentro ocasional que para él solo significará un desliz mientras que para ella será una obsesión que irá en aumento.


44. Regan McNeil en El Exorcista (The Exorcist)
O más que la pequeña, el malvado era el demonio que se había introducido en el interior de la niña, Linda Blair, en esta película que revolucionó el cine y el género de terror a comienzos de la década de los 70.


43. Francis Dolarhyde en El Dragón Rojo (Red Dragon)
Ralph Fiennes encarna en esta precuela del silencio de los corderos a un asesino de familias enfermizo y atormentado, pese a que su personaje no era más que un pretexto para la aparición de un malo muy peligroso, Hannibal Lecter, encarnado por Anthony Hopkins, que llena la pantalla en cada aparición y tiene la réplica del magnífico Edward Norton como polícia del caso. Fiennes se las ingenia para hacer de su personaje un villano magnífico en sí mismo que merece su propia mención.


42. Agente Smith en Matrix (The Matrix)
La saga de Matrix tiene su propio malo por excelencia, el agente Smith, interpretado por Hugo Weaving, quien comenzará siendo el mejor de los agentes que cuidan la matriz para acabar convirtiéndose en un virus que infecte todo con tal de evitar su propia extinción. Un villano con carisma y perfecto en su traje.


41. Patrick Bateman en American Psycho
Christian Bale con un cuerpo realmente impresionante y una elegancia al más puro estilo Casanova se sitúa por está película asesinando sin el más mínimo remordimiento y sin despeinarse, convirtiéndose aún más en el dios de su universo.


40. John Milton en Pactar con el Diablo (The Devil's Advocate)
Al Pacino es el mismísimo diablo en esta película en la que se demuestra que los abogados cuanto más lejos mejor, brillante y carismático, seduce a un joven y prometedor Keanu Reeves, pero ¿cuál es el precio para hacer un pacto con el mismísimo diablo?.


39. Vassago en Asesino del Más Allá (Hideaway)
Jeremy Sisto encarna a este joven y seductor malvado, que te embruja con su increíble sonrisa mientras su macabra mente imagina un mundo muy diferente, pero para obtener al último objeto de su deseo tendrá que vérselas por un padre encarnado por el siempre impresionante Jeff Goldblum.


38. Lo Pan en Golpe en la Pequeña China (Big Trouble in Little China)
En el Chinatown de San Francisco, Kurt Russell tendrá que vérselas con un malvado mago de dos mil años de antigüedad que gobierna el mundo de los espíritus sin piedad.


37. Stansfield en León, el Profesional (Leon)
Luc Besson nos regala esta película en la que el dúo protagonista, Jean Reno y Natalie Portman, consiguen enamorarte cada uno a su manera. Pero al otro lado de la balanza se encuentra un malvado Gary Oldman, que ha dejado a la pequeña Mathilda huérfana y envuelta en mil deseos de venganza. La película es una pequeña joya que nadie se puede perder.


36. Percy Wetmore en La Milla Verde (The Green Mile)
En el corredor de la muerte no muchas cosas pasan, o al menos no deberían pasar, pero en esta película nada está más lejos de la verdad para revelarnos una película mágica y llena de esperanza, en el que la maldad está encarnada por uno de sus guardianes, Percy, quien se cree por encima de toda la escoria que allí se encuentra, incluidos el resto de guardianes. Un personaje que te lleva a la nausea por lo incomprensible de su rabia interior, de su maldad innecesaria.


35. Dracula en Dracula de Bram Stoker (Dracula)
De nuevo Gary Oldman, uno de los actores más polifacéticos de la historia del cine, se convierte en un villano para el recuerdo, en esta ocasión como Drácula, el vampiro por excelencia, que seduce y se enamora de Winona Ryder mientras trata de reducir a su prometido a los deseos de sus vampiresas.


34. Sweeney Todd en Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet (Sweeney Todd)
Johnny Depp, acompañado de Helena Bonham Carter, encarna a un malvado que tiene más corazón que cualquiera de los buenos, pero que el dolor ha convertido su alma en puro infierno. Si quieres un afeitado bien apurado acude al barbero diabólico de la calle Fleet, se encargará de tu garganta al ritmo de su canto.


33. El cazador en Bambi
¿Por qué quién no ha llorado cuando era niño, y no tan niño, viendo Bambi, cuando el malvado cazador le arrebata a su madre e irrumpe en la maravillosa armonía del bosque?.


32. Catwoman en Batman Vuelve (Batman Returns)
Dentro de los villanos de comic Michelle Pfeiffer en el papel de Catwoman en Batman Vuelve destaca por su personalidad, su sensualidad y su maldad, para mí más que justificada. Una villana realmente inolvidable.


31. Elijah Price en El Protegido (Unbreakable)
En la segunda película de Shyamalan tenemos a un villano de comic original, Don Cristal en su búsqueda de un héroe en el mundo real se convierte en un auténtico malvado sacado del mejor de los cómics, el enemigo de Bruce Willis en esta odisea no puede ser otro que Samuel L. Jackson.


30. Elle Driver en Kill Bill
Para cualquier fan de Tarantino la imagen de Elle Driver como enfermera con su parche blanco con una cruz roja es algo inolvidable, y es que Daryl Hannah se convierte en esta película en una auténtica villana del cine.


29. Catherine Tramel en Instinto Básico (Basic Instict)
La maldad convertida en manipulación y seducción a la enésima potencia. Solo Sharon Stone y su cruce de piernas podía conseguir algo así, una malvada tan inteligente como inolvidable. Implacable.


28. Candyman en Candyman, el Dominio de la Mente (Candyman)
Pronuncia cinco veces su nombre frente a un espejo y Candyman aparecerá con su gancho en vez de mano... Dulces para lo dulce, y es que este villano está lleno de abejas con su dulce miel. Tan aterrador es su personaje como el supuesto pasado que lo convirtió en lo que es.


27. El Payaso en It
Aterrador se convierte un simple payaso en esta película basada en un relato de Stephen King, y que a muchos ha traumatizado. Los payasos no son tan inocentes y divertidos... en ocasiones.


26. Mayor Henry West en 28 Días Después (28 Days Later)
El hombre es lobo para el hombre, y el máximo exponente de esta frase la demuestra Christopher Eccleston en esta película, en la que cuando el ser humano debería tratar de sobrevivir a toda costa en un mundo infectado en el que los zombies tratan de exterminarlos y los supervivientes deberían luchar por ellos, este personaje trata de sacar beneficio y dictar un mundo del que él se cree Dios supremo.

Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile el 31 de marzo de 1972. Aunque nació en la capital chilena solo residió allí durante un año, hasta que sus padres, antes del golpe de estado de Pinochet, decidieron emigrar a España, instalándose en Madrid.

Más interesado en las imágenes que en los juegos infantiles, Amenábar de niño ocupaba su tiempo libre viendo películas, siendo 2001: odisea en el espacio (1968, Kubrick) su película favorita, que vio decenas de veces. Pero ya desde pequeño el director tenía algo claro, las imágenes eran inseparables de su música de fondo, una sensibilidad que le aficionó a las bandas sonoras, que comenzó a coleccionar.

Este gusto por la música le llevó a la convicción de que si no consiguiera ser director de cine sería músico, y de hecho ha compuesto la música tanto de todas sus películas como de otras ajenas, Nadie conoce a nadie, de Mateo Gil, y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda.

En 1990 inició sus estudios de imagen y sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, carrera que no llegó a terminar ya que abandonó sus estudios a causa de un suspenso en realización (lo que son las cosas, Einstein también suspendió matemáticas ¿no?). Pero por aquel entonces ya había rodado sus primeros cortometrajes, en los que además de ejercer como director, lo hizo como guionista, protagonista, autor de la banda sonora y montador. Estas primeras obras obtuvieron desde el primer momento reconocimiento, La cabeza (1991) obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs, e Himenóptero (1992), cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elogios de Bigas Luna y el interés de José Luis Cuerda quien comenzó a ayudarle en la tarea de darse a conocer en el mundo del cine.

Con mayores recursos, gracias a José Luis Cuerda, rodó su siguiente corto, Luna (1995), que sería quien acabaría de convencer a Cuerda para financiar el primer largometraje de Amenábar. Así fue como con tan solo veintitrés años y acompañado de un equipo de jóvenes actores hasta el momento desconocidos, a excepción de la protagonista Ana Torrent, rodó Tesis (1996) con un modesto pero bien aprovechado presupuesto.

En esta ópera prima demostró su dominio de la intriga centrándose en el tema de las snuff-movie (rodajes de torturas y asesinatos reales), sin duda un tema macabro al tiempo que morboso. Su primera obra fue reconocida con ocho candidaturas a los Goya, de los que obtuvo siete, entre ellos los más importantes, mejor película y mejor director novel.

Con Abre los ojos, Amenábar se enfrentaba a una película con mayor ambición contando con un presupuesto mayor. La película duplicó las recaudaciones de su ópera prima y le sirvió de lanzamiento internacional hasta el punto de que la cinto entusiasmó a Tom Cruise, quien adquirió los derechos para producir y protagonizar su remake americano, Vanilla Sky (2001), pero como tantas veces se ha demostrado ya, hacer un remake de una gran película no lleva más que a fracaso y gasto innecesario de recursos, que es lo que ocurrió una vez más con Vanilla Sky.

Tras Abre los ojos nuestro genio español consiguió abrirse camino en un cine más internacional además de contar con un presupuesto mucho más elevado, 21 millones de euros, para su próxima película, Los otros, en esta ocasión al contrario que en las dos anteriores la historia no tiene que esperar al desenlace para demostrar la ingeniosidad de su creador, sino que a lo largo de todo el metraje mantiene la tensión con maestría, consiguiendo una película más sobrecogedora que aterradora y contando como protagonista con la reconocidísima Nicole Kidman. Los otros se convirtió en la gran vencedora de los Goya de 2002 obteniendo ocho galardones, entre ellos, mejor guión original, mejor película y mejor director.

Con sus tres primeras películas Amenábar había dejado de ser el niño prodigio del cine español para convertirse, con tan solo treinta años, en un nombre reconocido en el panorama del cine fantástico internacional.

Amenábar se dejó influenciar por sus tres realizadores favoritos en su manera de plantear el cine, cogiendo el suspense que rodeaba a todo lo que tenía el sello de Hitchcock, buscando simplicidad y precisión en contar la historia, al estilo Kubrick, y colocándose en el lugar del espectador para hacer la película que a él le gustaría ver, como Spielberg.

Pero lejos de sentirse satisfecho con demostrar su maestría en el campo del suspense, en 2004 dio un giro a su carrera cinematográfica con Mar Adentro, cambiando completamente de género y de perspectiva, narrando la vida de Ramón Sampedro, un tetrapléjico gallego que puso fin a su vida con ayuda de personas cercanas en 1998 tras pasar confinado en la cama más de treinta años a causa de un accidente, y luchar duramente sus últimos años de vida por una muerte digna.

Para el papel de Ramón Sampedro contó con Javier Bardem, quien hizo una interpretación realmente magistral y fue muy alabado por la crítica. La película tuvo tanta repercusión que fue elegida para representar a España en los Oscar de Hollywood, estatuilla que se llevó a casa en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Por esta película recibió otros numerosos premios, como el Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, el premio al mejor director en los Premios del Cine Europeo, los Spirit Awards a la mejor película extranjera y el Globo de Oro a la mejor película extranjera. También arrasó en los Goya consiguiendo el récord de catorce estatuillas de las quince categorías en que estaba nominada.

Recientemente ha estrenado su quinta película, Ágora, en la que de nuevo se ha atrevido a cambiar de registro para presentarnos una película histórica, situada en la ciudad de Alejandría en el año 391 d.C. para contarnos la historia de una filósofa y astrónoma, Hipatia, obsesionada con encontrar las respuestas que busca del mundo mientras a su alrededor se suceden revueltas religiosas que arrasan la ciudad.

Esta película fue en su momento una auténtica revelación, aclamada tanto por la crítica como por el pública y que obtuvo siete goyas, entre ellos a mejor película, mejor dirección novel para el propio Amenábar, mejor actor revelación para el entonces desconocido Fele Martínez, mejor guión original, dirección de producción, montaje y sonido.


También sirvió de trampolín para sus protagonistas, la mayoría de ellos desconocidos hasta el momento, pero Fele Martínez y Eduardo Noriega encontrarían en Tesis la oportunidad de demostrar que habían llegado al panorama cinematográfico y pensaban quedarse, una oportunidad de recordar a la que había quedado algo olvidada, Ana Torrent. Pero sobre todo fue la película que marcó el inicio de uno de los directores de cine español más exitosos y, para mi, el que más talento posee, un auténtico genio que hace del cine una obra maestra.

La película consigue mantener la tensión desde que comienza hasta que acaba, nos cuenta la historia de Ángela, una chica ue prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, un día su director de tesis descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Cuando lo encuentran, Ángela y su compañero Chema deciden llevarse la cinta, para descubrir que se trata de una snuff-movie donde una chica es torturada y asesinada. A partir de este punto se abren un montón de interrogantes, ¿de dónde ha salido esa cinta y como ha llegado hasta allí?, ¿quién es la chica?, pero sobre todo, ¿quién lleva a cabo tales crímenes?... Ángela acaba de comenzar una frenética huida de la que ni siquiera es consciente hasta que ya no puede dar marcha atrás.


Ya en su primera película Amenábar no temió meterse en un tema tan macabro como polémico, las snuff-movie, para conseguir una película que con pocos medios contenía todo lo necesaria para mantenerte agarrado al asiento.

Después de Tesis, Amenábar volvió a contar con sus dos protagonistas masculinos, Fele Martinez y Eduardo Noriega, junto a Penélope Cruz para su siguiente película.

En ella César, protagonizado por Eduardo Noriega, es un chico rico y guapo que está hecho todo un casanova, pero, como a todo cerdo le llega su San Martín, en su fiesta de cumpleaños conoce a Sofía, interpretada por Penélope Cruz, que ha venido acompañando a su mejor amigo, Pelayo, de nuevo Fele Martinez, y se enamora perdidamente de ella. Pero a partir de ese momento, lejos de conseguir una vida idílica, esta se convierte en pesadilla cuando Nuria, Najwa Nimri, siempre enamorada de César y movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y el rostro de él queda completamente desfigurado.


A partir de este momento su vida se convierte en algo extraño y onírico, lleno de paranoias y escenas en las que se mezcla la realidad y la imaginación para contarte una historia sin igual, en la que la música encaja perfectamente con la imagen, unos temas compuestos por Alejandro Amenábar y Mariano Marín e interpretados por la orquesta filarmónica Ciudad de Praga, dirigida por Mario Klemens.

A destacar la escena en que Eduardo Noriega corre por la Gran Vía madrileña desértica, algo inaudito, y que sentaría precedente en posteriores películas. También la escena de la terraza, que me parece de una enorme belleza. Una película realmente bella y extraña, que fascina y perturba a partes iguales, que demuestra el talento de su realizador y que resulta imprescindible para cualquier amante del cine.


Como ya he comentado en 2001 Tom Cruise se interesó en hacer el remake de Abre los ojos, al que se llamó Vanilla Sky, contando con Penélope Cruz para interpretar el mismo papel que en la película original.

La película Los otros es una película original desde su planteamiento hasta su realización, comenzando con contar con actores británicos, la australiana Nicole Kidman como protagonista, equipo español y rodaje en inglés en una mansión cántabra que dice situarse en la isla de Jersey, lo que la convierte en la primera película de la industria cinematográfica española con una coproducción de semejantes características, lo que en el fondo benefició a la cinta ya que en Estados Unidos se consideró un film norteamericano, mientras que en España seguía siendo una película española, e incluso la más taquillera de la historia en su momento.


La historia se desarrolla en la isla de Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial y nos cuenta la vida de Grace Stewart, Nicole Kidman, y sus dos pequeños hijos, quienes viven en una antiguo caserón victoriano y remoto, esperando a que el padre de familia, Charles, retorne a casa tras la guerra, sin saber que ha sido de su suerte. Los niños sufren una extraña enfermedad que incluye la fotofobia, por lo que sus vidas estás estructuradas en base a una serie de reglas diseñadas para protegerlos de cualquier exposición a la luz solar.

La llegada de tres sirvientes a la casa, una niñera, una jardinero y una joven muda, coincide con otros extraños eventos, por lo que Grace comienza a temer que no se encuentran solos y se empeña en atrapar a los extraños intrusos pero no logra encontrarlos, mientras sus hijos cuentan historias de fantasmas que, según sus creencias, vivían en la casa.


En esta ocasión Amenábar incluye al género del thriller la componente del terror, convirtiendo esta película en otra gran sorpresa inesperada, como ya lo fueron Tesis y Abre los ojos, pero aderezada con una serie de sustos perfectamente planificados que se adaptan a la perfección con la tensión sostenida de la cinta. La película obtuvo 8 premios Goya de 15 candidaturas, las de mejor película, director, fotografía, guión original, sonido, dirección artística, montaje y dirección de producción.

Con Mar adentro, Amenábar cambia totalmente de registro, demostrando que no solo es un maestro en el thriller sino sencillamente un auténtico genio del cine, que es capaz de hacer de cualquier historia una maravilla visual que conquista por su sencillez y genialidad.

La película se basa en la conocida vida de Ramón Sampedro, intentando ser lo más verídica posible en todo momento, pero para aquellos que hayan olvidado ese nombre que fue tan polémico hace una década refresquemos la memoria. Ramón era un marinero que tras un accidente sufrido en su juventud quedó tetrapléjico y postrado en una cama durante cerca de treinta años y que en sus últimos años luchó con todas sus fuerzas desde la cama que era su prisión por poder morir dignamente, siendo el primero en España en pedir públicamente la eutanasia, ante su incapacidad para poder cometer el mismo un suicidio.


En la película conocemos a Ramón Sampedro a través de la piel de Javier Bardem, y su mundo que se reduce a su habitación, hasta la que llegan Julia, su abogada, interpretada por Belen Rueda, y Rosa, en la piel de Lola Dueñas, una vecina que trata de devolverle el interés por la vida, pero lo cierto es que la gran personalidad de Ramón es la que consigue cambiar por completo los principios de ambas.

De nuevo Amenabar se arriesgó con un tema polémico como era la eutanasia y con una historia rodeada de opiniones muy diferenciadas como era la vida y la muerte de Ramón Sampedro. La crítica y el público en general fue muy favorable con la película, aunque como era de esperar también hubo críticas, no es para menos tratando un tema y una historia tan concreta. Una película llena de belleza y de sentimientos, que a mi no me resulto empalagosa en absoluto, una oda a la vida, y a la muerte como parte de la misma.


Esta película también fue avalada con numerosos premios, para empezar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El León de Plata en el Festival de Venecia como Premio Especial del Jurado. Mejor director y mejor actor protagonista en los premios del Cine Europeo, Globo de Oro a la mejor película extranjera y catorce premios Goya.

Reciente es aún el estreno de la última película de Amenábar, y nuevamente cambiando de registro se atreve con una película histórica, cuyo nombre, Ágora, se refiere al espacio abierto que funcionaba como plaza pública y era el centro cultural, comercial y político en las ciudades griegas y romanas.

Ágora comenzó en 2005, cuando el propio Amenábar y su amigo Mateo Gil se pusieron manos a la obra con la elaboración del guión y comenzaron a perderse entre libros de Historia y Astronomía que los atraparía en el Egipto de hace 1600 años. A lo largo del proyecto el director ha contado con la colaboración y asesoría de astrofísicos, filósofos e historiadores que abrieran luz sobre las lagunas de sus creadores.

La película fue rodada en la isla de Malta, centrando sus escenarios fundamentalmente en el Fuerte Ricasoli. También debo mencionar que la ambientación, decorados, efectos, vestuario y música son perfectos, y nada tiene que envidiar a las grandes superproducciones norteamericanas, consiguiendo una película completamente creíble y que deja respirar el respeto por ser lo más verídica posible, todo ello al módico precio de unos 50 millones de euros.

Amenábar nos regala con Ágora, como ya hizo en sus películas anteriores, una película con diferentes lecturas, nos muestra el eterno enfrentamiento entre la razón y la religión, al tiempo que nos cuenta sencillamente la vida de Hipatia, una filosofa y astrónoma que lejos de todo lo que acontece a su alrededor vive obsesionada por dar respuesta a sus preguntas sobre el mundo.


La historia se desarrolla en un mundo que es casi legendario y prácticamente olvidados, en una época y un lugar únicos, la ciudad de Alejandría, Egipto, a partir de 391 d.C., cuando el Imperio Romano gobernaba esas tierras y la ciudad se había convertido en crisol de las antiguas culturas egipcia, griega y romana, pero en medio de este crisol la religión cristiana acaba de ser legalizada, pero no conformándose con eso aspira a convertirse en la única religión oficial del Imperio, tratando de desterrar el resto de creencias que considera cultos paganos, lo que derivará en violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría que alcanzarán a su legendaria Biblioteca y el resto de maravillas que brillaban en la bella ciudad.

Entre los muros de la biblioteca una brillante astrónoma, Hipatia, magistralmente interpretada por una magnífica Rachel Weisz, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo más que su propia vida. A su alrededor varios hombres disputan su corazón, Orestes y el joven exclavo Davo, que se debate entre el amor que profesa a su ama en secreto y la libertad que tanto desea y que podría conseguir uniéndose a la fé cristiana, pero Hipatia no busca el amor de nadie, ella ya ha dado su amor a la filosofía y a ella piensa entregarle su vida y corazón.


En la película la filósofa consigue fascinarme en sus obsesiones consiguiendo que las revueltas queden relegadas a un segundo plano, que realmente impacta y duele con la destrucción de la biblioteca, cuando sientes lo salvaje que puede ser el ser humano buscando la libertad del modo incorrecto. Flojos se quedan el resto de personajes, sobre todo el de Davo, quien no llega a convencer ni en su devoción a su ama ni en su conversión a la fé cristiana para conseguir ser libre cuando no quiere serlo, en el fondo se convierte tan solo en un alma errante que no consigue encontrar su lugar en el mundo, un lugar que solo ha podido atisbar en los ojos de Hipatia, pero a la que por mucho que ame no le dedica ni la mitad de la devoción que ella le regala a la ciencia.

En cualquier caso Amenábar vuelve a cumplir con esta magnífica película que seduce de nuevo en sus niveles más sencillos que en sus lecturas más complejas.