La película ya tiene solera, rodada en 1979, está considerada como un clásico imprescindible. Está basada en la adaptación de la novela El corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX, trasladando la acción a la guerra de Vietman.

En 2001, también en el festival de Cannes, Francis Ford Coppola presentó un nuevo montaje de la película, en la que se ampliaba su metraje hasta las tres horas y media de duración, bajo el nombre de Apocalypse Now Redux, consiguiendo que la película de culto de 1979 no defraudase a nadie, manteniendo la esencia de la película original y profundizando en ella. La versión inicial del rodaje era de cuatro horas que tuvieron que ser recortadas a la mitad para su estreno comercial a finales de los años 70. Personalmente la película no se me hizo en absoluto larga, sino simplemente perfecta.

En Apocalypse Now conocemos al capitán Willard, interpretado por un joven Martin Sheen, que es enviado a Vietman en busca del Coronel Kurtz, en la piel de Marlon Brando, un ex-boina verde que parece haber enloquecido creando una especie de religión en la que los nativos lo adoran y su propio ejército lo protege, llevando a cabo su propia forma de hacer la guerra con acciones brutales, a ojos de los militares al mando. Recorremos con Willard este largo viaje, encontrando a su paso miles de maneras de hacer la guerra, la de cada uno de los soldados que viven en ella.


En su viaje tendrá su propio equipo de compañeros, personajes que cambiaran con él, cada uno a su manera, algunos bajo el efecto de las drogas, otros encerrados en sus propios miedos, pero todos embarcados en la misma locura que se apoderó de Kurtz, van perdiendo las nociones de la realidad. Willard se planteará su misión, debe matar a uno de los suyos, lo que le hará considerar de qué bando está y le llevará a pensar en la propia raíz de la que germina una guerra, la lucha entre el bien y el mal, pero ¿quién dice qué es el bien y qué el mal en un lugar como Vietnam?. Se dejará seducir con cada gota de información que lee sobre Kurtz hasta llegar a convertirse en un ser similar al que han enviado a cazar.


Lejos de contar la historia de un héroe, Coppola nos muestra sus puntos débiles, su propia hipocresía, la ética en un mundo donde nada tiene sentido. En el viaje de Willard el propio espectador se deja seducir por la larga búsqueda del Coronel Kurtz, un personaje que se va construyendo desde su ausencia, carismático, enfermizo... hasta llegar a su propio universo, un lugar creado por él y para él, en el que aparece, por fin, su figura entre luces y sombras, haciéndote sentir que quieres más de ese personaje por el que has batallado durante todo el metraje.


En este punto solo existe una opción, dejarse llevar con su propio fanatismo, por la filosofía que cubre su universo, por la contradicción del propio Willard que se debate entre la atracción y el rechazo, entre el amor y el odio, hasta descubrir que tan solo es un ser humano que está roto y obrar llevado tanto por el amor como por el odio que siente por Kurtz.


Los escenarios y la propia historia van sumiéndose en una especie de irrealidad, en una nube surrealista y simbólica que contrastará con la guerra que acaba convirtiéndose tan solo en un telón de fondo.

No se puede negar que Apocalypse Now cuenta con escenas imprescindibles en la historia del cine, para empezar su introducción, el comienzo con la perfecta canción de The Doors, The End, perfectamente sincronizada con la imagen y el significado. Otro momento inolvidable es el de los helicópteros listos para bombardear el pueblo vietnamita al ritmo de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner.

"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam."

Esta frase del propio Coppola sobre la película pronunciada en su presentación en Cannes ha quedado para la posteridad, "Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietman, esto es Vietman", dado el auténtico infierno en que se convirtió su rodaje en las Islas Filipinas, en el que el propio Coppola perdió 27 kilos. El final de la cinta original, en el que Willard y Kurtz aunan fuerzas y repelen un ataque aéreo complicado, fue escrito de forma precipitada y a Coppola nunca le gustó. Él estaba buscando un final más esperanzador y en Apocalypse Now Redux la película termina con Willard en un bote, en superposición a la cara del ídolo de piedra hasta desvanecerse en negro donde aparecen los créditos de la película.

La película está plagada de caras conocidas hoy en día, aunque en su día el gran reclamo de la película era el actor Marlon Brando, valoradísimo en aquella época y con el ego un poco subido, lo que le costó a Coppola más de un disgusto a mayores dentro del rodaje. Se cuenta también que Martin Sheen sufrió un ataque al corazón en medio del rodaje, de lo que no cabe duda es de que fue un rodaje y una película dura como pocas.


Entre el resto de caras conocidas encontramos a Robert Duvall como el Coronel Kilgore, un hombre empeñado en hacer surf en medio de un bombardeo y alimentado por el olor a Napalm.


Un jovencísimo e irreconocible Laurence Fishburne en su debut cinematográfico como el miembro más joven del equipo que acompaña a Willard.


Un joven Harrison Ford cuando su rostro apenas comenzaba a ser conocido tras su participación en la primera entrega de La Guerra de las Galaxias, Dennis Hopper como fotógrafo seducido y entregado al universo creado por Kurtz, y Frederic Forrest como otro de los miembros del equipo que se embarcará con Willard en su loca misión y uno de mis personajes favoritos dentro de la película.


Como anécdota el cameo del propio Coppola que aparece fugazmente como reportero de televisión en una de las escenas de la película diciendo a la gente que actuase como si no estuvieran allí, en medio de una guerra. Me resultó tremendamente surrealista y fantástico.


Frases impactantes para una película imprescindible:

- "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

-"He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto...". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

"— ¿Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho?
— ¿Qué es?
— Es Napalm. Nada del mundo huele como eso. Me gusta el olor del napalm por la mañana. Una vez durante doce horas bombardeamos una colina, y al acabar subí, no encontramos ni un cadáver de esos amarillos de mierda. Que pestazo el de la gasolina quemada. Aquella colina olía a... a victoria. Algún día acabará esta guerra".
Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- "Me sobran cojones para hacer surf en esta playa". Coronel Kilgore (Robert Duvall)

"— Pero coronel, no podemos ir allí, Charlie está al acecho.
— ¡Charlie no hace surf!."
Coronel Kilgore (Robert Duvall)

- "Yo solía pensar que si moría en un lugar malvado, entonces mi alma no iría al cielo. Entonces, maldita sea. No me importa a donde vaya siempre y cuando no sea en este lugar". Jay "Chef" Hicks (Frederic Forrest)

- "Estáis peleando la nada más grande de la historia". Hubert de Marais (Christian Marquand)

- “Juzgar a alguien por asesinato en esta guerra sería como poner multas de velocidad en la carrera de Indianapolis.”- Willard (Martin Sheen)

- “No le niego un trago de agua a un hombre que tiene las tripas fuera”. Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- “La mierda se amontona en Vietnam con tanta rapidez que necesitas alas para no mancharte.” Willard (Martin Sheen)

En sus novelas, Lehane utiliza generalmente la ciudad como inspiración, retratando la vida de grupos inmigrantes o marginados, como irlandés de ascendencia que es también construye un retrato de esta cultura resaltando el peso del catolicismo en algunos de sus personajes. Sus historias se engloban dentro del género policíaco y la novela negra.

Shutter Island se convierte en su novela más reciente adaptada al cine, aunque desde luego no la última puesto que ya está previsto que un relato incluido en Coronado: Stories, libro que aún no ha llegado a España, de igualmente su salto al cine. En Shutter Island cambia de registro y abandona la urbe para acercarse a una pequeña isla cercana donde sucederá toda la trama de la historia.

La historia sucede en el verano de 1954. Dos agentes federales, Teddy Daniels y su nuevo compañero Chuck Aule, viajan a una de las islas cercanas a Boston, Shutter Island, donde está ubicado el hospital Ashecliffe, un centro penitenciario para enfermos mentales, en el que ha desaparecido una paciente, Rachel Solando.

Con este punto de partida Dennis Lehane nos llevará a leer, de forma obsesiva, las páginas de Shutter Island en busca de la verdad: sobre Ashecliffe, sobre la isla, sobre métodos experimentales muy alejados de la ética humana, sobre el propio Teddy Daniels y su amada Dolores, sobre el hombre que le ha llevado hasta allí, sobre las razones por las que se encuentra en una isla de la que es imposible huir. Una frenética historia que te traslada a un mundo de locos en el que se encuentra atrapado el protagonista.

Basada en la novela de Dennis Lehane y a manos del gran director Martin Scorsese, Shutter Island da el salto a la gran pantalla con gran maestría, manteniendo el espíritu oscuro y de suspense del libro y regalando al autor un gran homenaje al libro y su magnífica historia.

La película comienza en el barco que transporta a los agentes federales, Teddy Daniels y Chuck Aule, desde la ciudad de Boston hasta una pequeña isla llamada Shutter Island donde se ubica una institución mental para presos de la que ha escapado una de las pacientes, Rachel Solando.

Desde esta premisa se va deshilando la verdadera historia que ha llevado a Teddy Daniels a esa isla, la búsqueda de Andrew Laeddis, un pirómano culpable de la muerte de su esposa, Dolores se le aparece constantemente en visiones guiándole a través del pasado y del presente; y la búsqueda de la verdad acerca de Ashecliffe, y es que nada es lo que parece en esa isla en la que Teddy está convencido de que se llevan a cabo experimentos de dudosa ética con los reclusos. Una tormenta los deja atrapados en la isla y allí los recuerdos y conflictos del protagonista salen a la luz llevándole hasta la sima misma de la locura, en un lugar en el que tan solo se puede estar loco.

El protagonista de la cinta, Teddy Daniels, está encarnado, como en otras cintas del director, por Leonardo DiCaprio, en una buena actuación y desarrollo del personaje por parte del actor. A su lado Mark Ruffalo, será su inseparable compañero Chuck Aule. Ben Kingsley se mete de forma perfecta en la piel del doctor Cawley, el jefe de psiquiatría y hombre a cargo de la institución. Michelle Williams aturde la mente de Teddy en las apariciones de Dolores que lo acompañan en su camino por la isla. Y en una de las mejores escenas de la película (también del libro) Jackie Earle Haley se interna en George Noyce para llevar al protagonista al epicentro mismo de la trama.


Como ya he dicho, desde mi punto de vista, la película es un gran homenaje al magnífico libro en que se basa, fiel incluso en pequeños detalles que no resultan tan pequeños. Cabe destacar entre todo el metraje dos escenas, la imagen de Dolores desvaneciéndose húmeda entre el fuego que azota la habitación y el encuentro entre Teddy Daniels y George Noyce, magníficamente interpretado por Jackie Earle Haley, a través de la reja de una celda en la que Teddy no puede penetrar pero sí su amada Dolores. El final resulta mucho más rápido de lo que me hubiera gustado, mientras que en el libro se toma el tiempo necesario para llevarte a través de cada una de sus palabras.

La isla de Shutter Island y la institución de Ashecliffe resultan unas magníficas recreaciones de lo que el libro quiere expresar y la historia necesita ubicar. Así como el ambiente oscuro y que te deja en ocasiones sin aliento, magníficamente conseguido.


Y no revelo más porque lo verdaderamente importante e interesante está en la experiencia misma de vivir la historia de Shutter Island por lo que os recomiendo encarecidamente tanto la lectura del libro como la visión de la película. Si bien el libro es magnífico en si mismo, la película supone una adaptación buena y fiel.

Título original: The Lovely Bones
Autor: Alice Sebold
Traducción: Alicia Echevarría
Año: 2003


Traducido al español como Desde mi cielo, Alice Sebold nos cuenta en él una asombrosa historia que mezcla la tragedia de la pérdida de un ser querido con la ternura de las relaciones humanas.

El comienzo del libro ya nos indica lo certero que va a ser, como una flecha que se clava, pero el desarrollo del libro hace que esa flecha se convierta en un árbol, que eche raíces y crezca, deslumbrándonos, consiguiendo que la historia de una tragedia se convierta en un canto de vida lleno de esperanza.

"Me llamo Salmon, como el pez; de nombre, Susie. Tenía catorce años cuando me asesinaros, el 6 de diciembre de 1973."

Susie nos cuenta su propia historia, la historia de su vida y de su muerte, de como ahora vive en el cielo, pero es su propio cielo y desde ese lugar vela por los vivos que ha dejado atrás, nos cuenta su historia tanto como la de ella y nos introduce entre una serie de personajes, todos complejos que deben afrontar su muerte y su ausencia, cada uno a su manera.

No es ningún secreto para el lector cómo muere, ni quién es su asesino, un par de páginas después nos relata de forma fría y distante como sucedió, como un vecino del lugar planeó lo que iba a ocurrir, como la violó y le arrebató la vida, y después separó su cuerpo en mil fragmentos.

A partir de ese momento Susie deja de estar en el mundo terrenal para habitar su propio cielo personal, en él recompone su cuerpo y se asoma a la tierra para ver a sus seres amados sufrir su ausencia. En su cielo Susie puede obtener todo aquello que siempre ha querido con tan solo desearlo, excepto lo que más desea, volver con los suyos. Allí deberá afrontar su muerte, comprenderla y asimilarla, y entender como sus seres queridos se enfrentan a su ausencia, cada uno del modo en que puede.

En la tierra su familia vive su desaparición, convive con la esperanza de que ella aún viva, de que aún puedan recuperarla, pero el tiempo transcurre y la muerte de Susie se convierte en un hecho aunque no logren encontrar un cuerpo al que llorar. A ello deben enfrentarse todos aquellos que la amaron: Su padre, obstinado e incansable en busca de la verdad. Su madre, que para sobrellevarlo solo es capaz de ailarse de todo y de todos. Su hermana Lindsay, tan solo un año menor, que tiene que enfrentarse a la ausencia de su hermana y amiga y a las miradas del mundo que ven a Susie en ella. Su hermano pequeño Buck, que aún no es capaz de comprender porque Susie no está en casa. Ray Singh, el chico que le gustaba y que le otorgó su primer beso poco antes de su muerte. E incluso Ruth Connors, una chica con la que tan solo había hablado una vez en su vida, pero con la que se encontró en su camino al cielo y que veía el mundo de una manera muy distinta al resto de personas.

Personalmente la novela me parece fascinante y todos sus personajes realmente especiales. Susie les ve crecer desde el cielo, al tiempo que ella misma madura con ella, con sus decisiones y sentimientos. Los personajes que más me gustan son su padre, su hermana, y curiosamente Hal, el hermano del novio de su hermana.

Su padre dedica su tiempo a descubrir la verdad, y para él no es dificil obtener esa verdad, desde bien pronto sabe quién mató a su hija, pero por más que lo grite a los cuatro vientos nadie puede creer una verdad sin pruebas. Pese a todo su padre se mantiene firme, contra viento y marea, esperando el momento en que él no sea el único que vea la verdad de una forma tan clara.

Su hermana se ve forzada a crecer desde el momento de la desaparición de su hermana, es quién más evoluciona a lo largo del libro, pasa de ser una niña de trece años sin preocupaciones a convertirse en una mujer que debe afrontar ser la imagen de su hermana muerta caminando en vida, ejercer como la esposa de su padre y la madre de su hermano pequeño cuando su madre, aislándose de todo y de todos deja de desempeñar ese papel.

La madre es uno de los personajes que menos me gustan, aunque bien es cierto que el libro te hace comprenderlo, una mujer que siempre tuvo mayores ambiciones que ser tan solo una madre, que estudió y amó lo que estudiaba y soñó con poder enseñárselo a otros que se vio forzada por las circunstancias a dejar de ser una mujer con sus propios sueños para convertirse en la madre de tres hijos y que tras la muerte de su primogénita ve como toda su vida, la que tenía y la que debía haber tenido se desmorona, aislándose, porque es lo único que es capaz de hacer durante largo tiempo.


Susie que en su vida tan solo había vivido un único beso, de los labios de Ray Singh, poco antes de su muerte, presencia lo que ella nunca vivirá, como su hermana es amada por otro chico de su edad, Samuel Heckler, quién se convertirá en su alma gemela y amigo fiel. Su hermano mayor Hal, que tiene un taller de motos, en mi opinión es también uno de los personajes que aporta más a la trama sin casi parecer que está ahí. Lo hace cuando es necesario, es inteligente para saber lo que debe decir y a quién y también para desaparecer cuando no debe estar ahí. Durante toda la trama no puedo sentirlo más que como un ángel de la guarda que cuida de la familia Salmon sin apenas ser visto, como si en muchas ocasiones fuese la mano de Susie sobre la tierra sin siquiera saberlo.

Ray Singh y Ruth Connors se hacen amigos tras la muerte de Susie, y viven sus vidas como tal, siempre cerca uno de otro, si no es de distancia sí de corazón. Ambos evolucionan y crecen con el recuerdo de la pequeña Susie. Ella les hace ser en parte lo que serán y ellos la hacen madurar junto con ellos y la fuerza de su amistad.

Son muchos los detalles, personajes y palabras que podría destacar de este libro, así que voy a limitarme simplemente a recomendároslo encarecidamente. Es un libro que ante todo te hace sentir, te hace crecer con ellos, comprenderlos incluso cuando no hay explicación a sus actos, y hacerte sonreír ante la fuerza de las relaciones entre sus personajes, relaciones creadas o vividas tras una tragedia como la muerte de una pequeña, pero lejos de hacerte llorar por su ausencia puedes sentirte reconfortada con saber que está ahí, que siempre estará ahí y que el amor todo lo cura y lo devuelve a su sitio. Realmente inspiradora y magnífica.

La película, a mi modo de ver, es una auténtica destrucción de la esencia del libro, y es que Peter Jackson parece más preocupado por deslumbrarnos con una serie de efectos visuales de gran belleza mientras pierde de perspectiva una historia que deslumbra por sí misma.

Los personajes en la película son realmente planos, entre ellos solo cabe destacar a la pequeña Susie Salmon, encarnada magníficamente por Saoirse Ronan, que se convierte en el mayor descubrimiento de la película: la pequeña actriz. También Stanley Tucci en su papel de asesino, aunque falta que se le otorgue al personaje la inteligencia que realmente posee.


El padre, encarnado sin pena ni gloria por Mark Wahlberg, se dedica toda la película a dar palos de ciego sobre quién podría ser el asesino mientras que en la novela sabe quién es el asesino porque su hija desde el cielo así se lo hace sentir. La madre, Rachel Weisz, lejos de contarnos esa guerra interior que mantiene y ha mantenido siempre entre su propia identidad y ser tan solo la madre de sus hijos y la esposa de su marido, se convierte aquí en un personaje débil y plano que no dice nada. Y qué decir de la hermana, el gran peso de la novela, que aquí apenas aparece un par de veces, en los momentos en que es imprescindible su presencia.


En mi opinión la película resulta realmente floja, se dedica a tratar de atraernos con una serie de efectos visuales dejando de lado todo el intenso desarrollo de los personajes que hace el libro para contarnos simplemente la sucesión de la historia (en un marco mucho más corto, en la película transcurren dos años mientras en el libro son ocho, lo cual me parece comprensible).


Tras lo dicho creo que no hace falta que diga que realmente me decepcionó la película. Entiendo que en ella no se puede hacer un desarrollo tan exhaustivo de los personajes como el que hace el libro, pero en la película resultan realmente planos, sin ninguna sustancia y no tienen nada que ver sus personalidades con las del libro. Peter Jackson se dedica a perder metraje en enseñarnos un cielo lleno de efectos que con la mitad de ellos nos habría más que bastado, hasta el punto de coger fragmentos del libro realmente perfectos y estropearlos de la manera más tonta.


Comento el que más me dolió. En la película: el padre destrozado destruye todos los barcos de vela que construyó con la ayuda de su hija excepto uno, encima de él pone una vela y al ir a dejarla sobre la ventana ve el reflejo de su hija tendiéndole la mano desde el cielo... direis, pues la escena parece bonita, ahora os cuento la del libro y me decis si no es mucho más bonita a poco que se molesten en hacerla: El padre destrozado destruye todos los barcos de vela que construyó con la ayuda de su hija, su hija en el cielo grita deseperada ante el dolor que eso la provoca, tanto a ella como el que sabe que le provoca a él, al final la estancia está llena de fragmentos de cristal que le rodean y tal es el dolor de ella en el cielo que su padre al mirar la estancia cubierta de cristales ve el reflejo del rostro de su hija en cada uno de ellos (nada de "te tiendo la manita" ni gilipolleces de esas) tan solo un segundo antes de desaparecer y el hombre entre lágrimas se echa a reir de forma histérica sabiendo que su hija aún está con él.


Por otra parte Peter Jackson también pierde gran parte del metraje con la abuela Lynn en una serie de escenas de índole ¿cómica?, mientras que en el libro es cierto que existen gran parte de esas escenas pero el personaje de la abuela está en un segundo plano, es un apoyo que trata de dar alegria con su loca personalidad, no un mero chiste ambulante a lo largo de la película con Susan Sarandon como protagonista que es en lo que lo convierte Peter Jackson.


Muchas otras son las diferencias de la película respecto al libro, como el hecho de que la historia transcurra en dos años en vez de en ocho, que Susie Salmon no reciba el beso antes de morir, etc, pero me parecen cambios más comprensibles de cara a que la película pueda ser vista por todos los públicos, lo que tampoco me explico son las escenas sangrientas y desagradables de forma gratuita, como la de la bañera del Stanley Tucci o cuando se cae en la nieve, que en el libro ni mucho menos son tan brutas, para algunas cosas parece que quiere hacer una película Disney y, en cambio, para otras se pasa tres pueblos... ¡en fin!.

Lo dicho, el libro no dejéis de leerlo, es súblime. La película, puestos a perder el tiempo perdedlo en otra cosa...

Espero que esta vez Shyamalan no defraude, al menos a sus seguidores, entre las que me incluyo. Pero la cinta parece que no va a fallar ni a entendidos ni a forasteros y Shyamalan puede que consiga de un plumazo tenernos contentos a todos, una película que para empezar no se ha vendido como de terror, ya era hora de que dejasen de hacer el idiota con los trailer, por lo que nadie puede decir que se siente defraudado, que conserva la esencia de los cuentos de Shyamalan, como La Joven del Agua, y que tiene mucha acción y efectos magníficos, espero que no por demasiada acción se pierda la maestría que tiene el director en permitirnos conocer a los personajes de un modo tan profundo.

TÍTULO ORIGINAL: The Hurt Locker
AÑO: 2008
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Kathryn Bigelow
GUIÓN: Mark Boal
MÚSICA: Marco Beltrami, Buck Sanders
FOTOGRAFÍA: Barry Ackroyd
REPARTO: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse, Christian Camargo, Evangeline Lilly
PRODUCTORA: Summit Entertainment / First Light Production / Kingsgate Films
WEB OFICIAL: http://thehurtlocker-movie.com/
GÉNERO: Bélico. Acción. Thriller. Drama | Guerra de Iraq.
SINOPSIS: Narra el día a día de una brigada estadounidense de desactivación de explosivos desplegada en Irak, una unidad de élite de artificieros que se ve inmersa dentro de una caótica ciudad donde cualquiera puede ser un enemigo potencial y cualquier objeto puede ser una bomba. El grupo está liderado por el sargento Thompson. Cuando éste fallece en el transcurso de una misión, se queda al mando el impredecible, valiente y temerario sargento William James (Jeremy Renner). Faltando poco más de un mes para que la brigada finalice su turno de rotación en Iraq, el imprudente comportamiento de James hará que sus dos subordinados, el sargento Sanborn (Anthony Mackie) y el especialista Eldridge (Brian Geraghty), valoren seriamente el riesgo que corren en su trabajo.
CRÍTICAS:
- "Aquí está la película sobre la guerra de Irak para aquellos que no les gustan las películas sobre la guerra de Irak. (...) Bigelow ha hecho un drama incendiario que te sacude de maneras que no ves venir. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
- "Una película casi perfecta. (...) Jeremy Renner lentamente se revela con la fuerza, la confianza y la impredecibilidad de un joven Russell Crowe." (Richard Corliss: Time)
- "Un film bélico fascinante (...) La película se mete en la mente de un hombre. (...) una gran e inteligente película (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Una película tensa y áspera, que te contagia la adrenalina que emborracha a sus personajes. (...) Bigelow no hace discursos morales (...) rebosa veracidad, suspense de primera clase, terror." (Carlos Boyero: Diario El País)
- "La directora ha sabido dejar a un lado las razones que llevaron a los soldaditos americanos a la guerra y se ha concentrado, con minuciosidad y un sentido físico admirable, en el día a día de la patrulla de artificieros protagonista. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)
- "[Bigelow] privilegia lo sensorial por encima de toda tentación de discurso. (...) Película tensa, soberbia y magistral (...) quizá no sea la película definitiva sobre la guerra de Irak, pero, de momento, es la que mejor permite sentirla." (Jordi Costa: Diario El País)
- "Cabría acusar a Bigelow de no mojarse (...) pero el músculo de su puesta en escena, el extremo dominio de la forma, es lo suficientemente hipnótico para clavarnos, callados, en la butaca. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Sergi Sánchez: Fotogramas)
- "Una explosión de suspense. (...) a fuerza de crear una atmósfera irrespirable, [Bigelow] consigue que sintamos el vértigo, la tensión y el subidón de adrenalida de la primera línea de fuego. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Mi novio, que es gran aficionado a las películas de género bélico, nunca se pudo creer que con lo que me gustaba el cine me negase con tanto ahínco a ver películas de ese tipo, y es que mis gustos bélicos no iban más allá de Salvar al Soldado Ryan, película que me encantó, y Enemigo a las Puertas, que la primera vez que la vi me gustó pero después la cogí bastante manía y asco, y desde entonces me niego a volverla a ver. Pero abierta la veda ante el cine bélico, y sobre todo después de haber visto la película sin él, mi novio se frotó las manos y pensó, "esta es la mía", y aprovechó la oportunidad para adentrarme en el cine bélico.

TÍTULO ORIGINAL: Black Hawk Down
AÑO: 2001
DURACIÓN: 144 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ridley Scott
GUIÓN: Ken Nolan (Historia: Mark Bowden)
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Slawomir Idziak
REPARTO: Josh Hartnett, Eric Bana, Ewan McGregor, Tom Sizemore, William Fichtner, Sam Shepard, Brendan Sexton III, Jeremy Piven, Brian Van Holt, Carmine Giovinazzo, Ewen Bremner, Ron Eldard, Kim Coates, Hugh Dancy, Jason Isaacs, Orlando Bloom, Tom Guiry, Tom Hardy
PRODUCTORA: Revolution Studios / Jerry Bruckheimer Films
WEB OFICIAL: http://www.spe.sony.com/movies/blackhawkdown/
GÉNERO: Bélico. Acción | Basado en hechos reales. Ejército. África
SINOPSIS: Octubre de 1993. Soldados americanos de elite son enviados a Mogadiscio, Somalia, como parte de una operación de paz de las Naciones Unidas. Las intenciones son salvar vidas, no segarlas. Pero la incomprensible política feudal y la hambruna hace diseñar una misión que consiste en capturar al caudillo Aidid y acabar de raíz con la guerra. Cuando comienza la misión, todo parece ir bien, hasta que dos helicópteros Black Hawk, aparentemente invencibles, son derribados. El enorme contratiempo convierte la misión en una desesperada carrera contra el tiempo para rescatar a la tripulación y los soldados de tierra, atrapados y heridos en una ciudad que se ha convertido en zona de combate mortal.
CRÍTICAS:
- "Basada en hechos reales, "Black Hawk Down" relata una operación de las fuerzas de élite del ejército americano en la ciudad de Mogadiscio que se complica cuando un helicóptero es derribado en pleno centro de la ciudad. Magníficamente rodada, intensa desde el comienzo hasta el final, se trata de un trepidante film carente de un hilo dramático al uso y de cualquier lectura antibélica que acaba por desconcertar al espectador que busque algún mensaje. Dicho de otro modo: parece un documental de ficción en el que, por lo demás, asombra la perfección y realismo de lo que se narra." (Pablo Kurt)
- "Una película aburrida. También indecente" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
- "Está llena de instantes de enérgico destripamiento de la violencia, pero visualizada desde tantos y tan dispares puntos de vista que no hay manera de que el espectador descubra su propia mirada entre tanta, y tan mareante, abundancia de angulaciones, encuadres, enfoques, ópticas, saltos de eje y cambios de observatorio. De ahí que, pese a algunos buenos y liberadores respiraderos y descansillos en la escalada de la atronadora ensalada de tiros, haya en Black Hawk derribado más exactitud visual que conmoción moral" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
- "Realismo atronador. (...) La riqueza visual es impresionante y la reconstrucción de las múltiples acciones paralelas del combate alcanza cotas insólitas de intensidad, pero un espectáculo de este tipo se sostiene a duras penas si, como aquí, no cuenta con asideros dramáticos suficientemente personalizados" (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

La primera película que me puso fue Black Hawk derribado, de la cual había oído buenas críticas por parte de conocidos que tampoco son aficionados al género, por lo que a priori llamaba más mi atención, también teniendo en cuanta que su director era Ridley Scott, a quien siempre le agradeceré su obra maestra, Blade Runner. El resultado no fue tan favorable como esperaba mi chico, si bien la película me resultó entretenida, y en momentos mantenía la tensión como si yo misma me encontrará en el campo de batalla, no dejó en mí más huella, pero en general me gustó, aunque por supuesto no me apasionó como lo había hecho The Hurt Locker.


TÍTULO ORIGINAL: Platoon
AÑO: 1986
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR : Oliver Stone
GUIÓN: Oliver Stone
MÚSICA: Georges Delerue
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Charlie Sheen, Tom Berenger, Willem Dafoe, Kevin Dillon, Forest Whitaker, John C. McGinley, Johnny Depp, Francesco Quinn, Richard Edson, Reggie Johnson, Keith David, David Neidorf, Mark Moses, Chris Pedersen, Tony Todd
PRODUCTORA: Orion presents an Arnold Kopelson Production
GÉNERO: Bélico | Guerra de Vietnam
SINOPSIS: Un joven soldado norteamericano es enviado a la frontera entre Vietnam y Camboya para incorporarse a un pelotón que se encuentra allí destacado. Al poco de llegar, descubre la crueldad que supone esta guerra, y no sólo por los duros enfrentamientos con el enemigo, sino por las relaciones entre los propios compañeros.
CRÍTICAS:
- "Oliver Stone aúna su propia experiencia personal como soldado en la guerra de Vietnam, sus dotes de guionista y su innegable talento visual para rodar una brillante y potente película bélica sobre las andanzas de un pelotón (platoon) americano en la guerra de Vietnam. Si Cimino y Coppola ya habían emitido sus magistrales "denuncias" del conflicto, aquí Stone se centra más en la crudeza de las batallas (estupendas las escenas de acción), y en la lucha interna entre las propias fuerzas americanas representadas por los sargentos Barnes y Elías (dos perfectos Dafoe-Berenger). Todo ello inteligentemente acompañado de la conmovedora música de Samuel Barber y su adagio para cuerda." (Pablo Kurt)
- "Historia de soledad e injusticia (...) Todo un éxito comercial. (...) Buena." (Fernando Morales: Diario El País)

Después le llegó el turno a Platoon, de Oliver Stone, uno de esos clásicos bélicos que todo el mundo debería haber visto y que por supuesto yo siempre me había negado a ver. Al principio de la película no hacía otra cosa que cagarme en Charlie Sheen y lo agilipollado que estaba, sobre todo en la escena en que están a punto de ser descubiertos por el enemigo y el se queda inmóvil mirando una granada y tapándose con una mantita, como si en la guerra también valiese ese escondite infantil de meterse bajo la manta, protectora por excelencia de todos los miedos de este mundo. Después la película fue evolucionando, y con ella los personajes, tomabas partido por unos u otros, comprendías la locura que experimentaban y Platoon cobraba mucho más sentido como uno de esos clásicos imprescindibles. Me gustó, y mucho.

TÍTULO ORIGINAL: Apocalypse Now (Apocalypse Now Redux)
AÑO: 1979
DURACIÓN: 153 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
GUIÓN: John Milius & Francis Ford Coppola (Novela: Joseph Conrad)
MÚSICA: Carmine Coppola
FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro
REPARTO: Martin Sheen, Marlon Brando, Dennis Hopper, Robert Duvall, Frederic Forrest, Albert Hall, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Harrison Ford
PRODUCTORA: United Artists (Omni Zoetrope Production)
GÉNERO: Bélico. Drama | Guerra de Vietnam. Película de culto
SINOPSIS: El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encargado, en Camboya, la peligrosa misión de avanzar río arriba para eliminar a Kurtz, un coronel estadounidense renegado que se ha vuelto loco. En la profundidad de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz manda como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un dios.
CRÍTICAS:
- "Al capitán Willard (un hombre con sus propios problemas) le encargan un peligroso viaje río arriba hacia el interior de la selva camboyana. Su misión: matar a Kurtz, un enigmático coronel estadounidense instalado en aquella zona remota y que, aparentemente, ha perdido el juicio. Durante el trayecto, Willard comienza a sentirse fascinado por el currículum de Kurtz, al tiempo que empieza a conocer aspectos de la guerra que le harán comprender mejor las razones de ese hombre al que tiene que asesinar. Magistral disección de los horrores y sinsentidos de la guerra, en "Apocalypse Now" Coppola exprimió todo su dinero, ambición y talento -que no era poco- para rodar una fascinante bajada a los infiernos del conflicto de Vietnam. Por lo demás, Marlon Brando epata con un escalofriante personaje que consagra esta búsqueda de un coronel demenciado por los espantos de la más cruel creación del hombre. Una obra colosal, tan impresionante como inigualable." (Pablo Kurt)
- "Adaptación libre de la novela de Conrad que Coppola convierte en alegato antibelicista y cuyo metafórico viaje está jalonado por etapas que siempre parecerán ser definitivas. Inolvidable resulta la desaforada secuencia donde las palas de los helicópteros giran al compás de la música de Wagner en una danza macabra. El coronel Kurtz-Brando, cual semidiós, nos espera al final del viaje en su postrero reino de las sombras" (Rufo Pajares)
- "La versión definitiva de Apocalypse Now enriquece y lleva a los límites de lo insuperable a una de las obras medulares del cine moderno" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
- "Un espectáculo grandioso, desbordante y destructivo que muestra el horro de la epopeya bélica. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

La tercera opción reconozco que tenía ganas de verla antes de comenzar, y es que Francis Ford Coppola como director ya dice mucho a priori, al menos a una servidora, y todas las referencias a Apocalypse Now, que no son pocas, coinciden en ella como una obra maestra. Y esta película si que me entusiasmó, mucho más allá que En Tierra Hostil con diferencia, esa noche descubrí una auténtica maravilla del cine, una joya, una obra maestra... cualquier definición que pudiera otorgarle con palabras se quedaría corta, puesto que Apocalypse Now es simplemente pura poesía en movimiento. Te atrapa, te seduce, se interna en lo más profundo de ti y desde que tuve la ocasión de verla no pueda hacer otra cosa que rememorarla. Escenas magníficas suceden ante mis ojos, frases perfectas resuenan en mis oídos y mi cuerpo recupera la tensión y la sensación de completo que tuvo al visionarla. De largo Apocalypse Now se ha convertido para mí en una de las grandes. No esperaba menos de mi adorado Coppola.

Y por el momento hasta aquí llega mi incursión en el cine bélico. Después de ver Apocalypse Now cualquier película del género hubiera desmerecido y, en cualquier caso, creo que si hubiera visto otra película bélica más hubiese acabado haciendo por mi misma la guerra. Tomado un descanso, en el que la cinta de Coppola aún da vueltas en mi cabeza, y en el que he aprovechado para ver abrir mi mente a otro tipo de cine, como es el caso de la animación con la magnífica Akira, y dejarme mecer de nuevo en el amor que profeso a la ciencia ficción para descubrir la magnífica Brazil, ya estoy lista de nuevo para otra tanda de cine bélico, cine de animación o lo que tenga que ver, porque no hay nada mejor en este mundo que abrir los ojos a lo que no conoces y aprender a apreciarlo, es como descubrir todo un mundo nuevo por el que dejarse seducir.

La próxima película que tengo en la lista es, por lo visto, La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick, a priori tiene pinta de que sí me gustará, ya os contaré...

El otro día al fin vi Akira, y digo, al fin, porque mi novio llevaba siglos detrás de que viera con él una de sus películas favoritas, y de un tiempo a esta parte no era porque a mi me faltaran ganas... La conclusión después de haberla visto: ¿dónde ha estado esta película toda mi vida?. Abriendo la mente a otros horizontes, géneros y técnicas lo cierto es que se descubren pequeñas grandes joyas que habíamos ignorado hasta el momento, para mí eso precisamente supone Akira, una joya del cine de animación, técnica que en general no me llama demasiado la atención en el mundo cinematográfico.

Y ahora comencemos por el principio. Akira nació en la cultura japonesa, de las manos de Katsuhiro Otomo en forma de una monumental manga, de más de dos mil páginas, entre 1982 y 1993, obteniendo un gran éxito tanto en Japón como en el resto del mundo y generando en 1988, cuando el cómic aún estaba inconclusa, la película de animación de título homónimo. Ambas obras, novela gráfica y película, se convirtieron al instante en un clásico dentro de su género.


Debido a la realización de la película previa a la conclusión del manga, llega un momento en que el largometraje se separa de la línea argumental del cómic, generando dos obras sustancialmente distintas. Ambas alabadas.

Akira se ambienta en la ciudad futurista de Neo-Tokio, levantada sobre las ruinas de Tokio, destruida en 1988 por una terrible explosión nuclear que desencadenó la tercera guerra mundial, devastando todo el planeta. Treinta años después Neo-Tokio es una ciudad oprimida por el gobierno e inhumana, cargada de problemas, desempleo, olas de violencia, droga y terrorismo campan a sus anchas por la ciudad, las sectas religiosas y los grupos extremistas se aprovechan de la insatisfacción de los ciudadanos. Así nace el culto al mito de Akira, que según las profecías es un niño que contiene la energía absoluta y cuya resurrección significaría el amanecer de una nueva era.

Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla de motociclistas que participan en peleas callejeras con otras bandas. Durante una de esas peleas Tetsuo resulta herido tras ver a un extraño niño. A partir de este momento Tetsuo no volverá a ser quién era, es secuestrado por el gobierno, quien lleva a cabo experimentos secretos con niños potenciando sus poderes psíquicos a través de fármacos. Llevarán a cabo estos experimentos con el joven quién comenzará a desarrollar también poderes psíquicos, además de terribles alucinaciones que le llevarán a desatar un poder más allá de todo lo conocido.


A partir de este punto una serie de personajes se verán envueltos en cuanto acontece a Tetsuo y a su amigo Kaneda, en los recuerdos que envuelven el mito de Akira conduciéndonos por una trama de dioses y humanos, de aciertos y errores, de amistad y desconfianza, creando una historia que nadie podrá borrar de su mente.

La animación de la película está realmente cuidada, siendo una auténtica revolución para la época que ahora no desmerece en absoluto. Los escenarios de Neo-Tokio se representaron en profundo detalle. La película fue estrenada en 1988 y supuso un salto cualitativo en la animación japonesa gracias al gran presupuesto con el que contaba. Al igual que el manga, la película fue dirigida por el propio Katsuhiro Otomo.

Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de las fronteras de Japón, gracias al impacto provocado en espectadores de todo el mundo, hasta el punto de ser considerada por muchos la mejor película de animación japonesa.

La película fue remasterizada en 2001, con un coste que superaba el millón de dólares. Actualmente existe un supuesto proyecto de llevar Akira al cine con personajes reales para el 2013, en el que el nombre más oído es Leonardo DiCaprio como Kaneda (que Dios me pille confesada...), pero el rumor de llevar al cine la película con personajes de carne y hueso comenzó ya en los años 90 tras comprobar el éxito de la cinta.

Personalmente después de su primera entrega, las otras dos no ofrecen nada nuevo, la historia continúa y parece no tener final, por mi parte no hace falta que lo tenga, son películas palomiteras que cumplen lo que prometen: entretenimiento y acción, y en esta cuarta entrega promete ser interesante ver las luchas, a las que ya estamos acostumbrados, con efecto 3d.

Dejémonos seducir una vez más por el mundo de zombies creado hace mucho tiempo por el mundo de los videojuegos, una vez más con Milla Jovovich, Alice, como protagonista indiscutible, que recorre los Estados Unidos en busca de supervivientes hasta llegar a Los Angeles, donde un grupo de gente atrapada resiste el ataque de muertos vivientes que pululan por doquier, entre ellos caras tan conocidas como la de Ali Larter y Wenworth Miller.