Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile el 31 de marzo de 1972. Aunque nació en la capital chilena solo residió allí durante un año, hasta que sus padres, antes del golpe de estado de Pinochet, decidieron emigrar a España, instalándose en Madrid.

Más interesado en las imágenes que en los juegos infantiles, Amenábar de niño ocupaba su tiempo libre viendo películas, siendo 2001: odisea en el espacio (1968, Kubrick) su película favorita, que vio decenas de veces. Pero ya desde pequeño el director tenía algo claro, las imágenes eran inseparables de su música de fondo, una sensibilidad que le aficionó a las bandas sonoras, que comenzó a coleccionar.

Este gusto por la música le llevó a la convicción de que si no consiguiera ser director de cine sería músico, y de hecho ha compuesto la música tanto de todas sus películas como de otras ajenas, Nadie conoce a nadie, de Mateo Gil, y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda.

En 1990 inició sus estudios de imagen y sonido en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense, carrera que no llegó a terminar ya que abandonó sus estudios a causa de un suspenso en realización (lo que son las cosas, Einstein también suspendió matemáticas ¿no?). Pero por aquel entonces ya había rodado sus primeros cortometrajes, en los que además de ejercer como director, lo hizo como guionista, protagonista, autor de la banda sonora y montador. Estas primeras obras obtuvieron desde el primer momento reconocimiento, La cabeza (1991) obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs, e Himenóptero (1992), cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elogios de Bigas Luna y el interés de José Luis Cuerda quien comenzó a ayudarle en la tarea de darse a conocer en el mundo del cine.

Con mayores recursos, gracias a José Luis Cuerda, rodó su siguiente corto, Luna (1995), que sería quien acabaría de convencer a Cuerda para financiar el primer largometraje de Amenábar. Así fue como con tan solo veintitrés años y acompañado de un equipo de jóvenes actores hasta el momento desconocidos, a excepción de la protagonista Ana Torrent, rodó Tesis (1996) con un modesto pero bien aprovechado presupuesto.

En esta ópera prima demostró su dominio de la intriga centrándose en el tema de las snuff-movie (rodajes de torturas y asesinatos reales), sin duda un tema macabro al tiempo que morboso. Su primera obra fue reconocida con ocho candidaturas a los Goya, de los que obtuvo siete, entre ellos los más importantes, mejor película y mejor director novel.

Con Abre los ojos, Amenábar se enfrentaba a una película con mayor ambición contando con un presupuesto mayor. La película duplicó las recaudaciones de su ópera prima y le sirvió de lanzamiento internacional hasta el punto de que la cinto entusiasmó a Tom Cruise, quien adquirió los derechos para producir y protagonizar su remake americano, Vanilla Sky (2001), pero como tantas veces se ha demostrado ya, hacer un remake de una gran película no lleva más que a fracaso y gasto innecesario de recursos, que es lo que ocurrió una vez más con Vanilla Sky.

Tras Abre los ojos nuestro genio español consiguió abrirse camino en un cine más internacional además de contar con un presupuesto mucho más elevado, 21 millones de euros, para su próxima película, Los otros, en esta ocasión al contrario que en las dos anteriores la historia no tiene que esperar al desenlace para demostrar la ingeniosidad de su creador, sino que a lo largo de todo el metraje mantiene la tensión con maestría, consiguiendo una película más sobrecogedora que aterradora y contando como protagonista con la reconocidísima Nicole Kidman. Los otros se convirtió en la gran vencedora de los Goya de 2002 obteniendo ocho galardones, entre ellos, mejor guión original, mejor película y mejor director.

Con sus tres primeras películas Amenábar había dejado de ser el niño prodigio del cine español para convertirse, con tan solo treinta años, en un nombre reconocido en el panorama del cine fantástico internacional.

Amenábar se dejó influenciar por sus tres realizadores favoritos en su manera de plantear el cine, cogiendo el suspense que rodeaba a todo lo que tenía el sello de Hitchcock, buscando simplicidad y precisión en contar la historia, al estilo Kubrick, y colocándose en el lugar del espectador para hacer la película que a él le gustaría ver, como Spielberg.

Pero lejos de sentirse satisfecho con demostrar su maestría en el campo del suspense, en 2004 dio un giro a su carrera cinematográfica con Mar Adentro, cambiando completamente de género y de perspectiva, narrando la vida de Ramón Sampedro, un tetrapléjico gallego que puso fin a su vida con ayuda de personas cercanas en 1998 tras pasar confinado en la cama más de treinta años a causa de un accidente, y luchar duramente sus últimos años de vida por una muerte digna.

Para el papel de Ramón Sampedro contó con Javier Bardem, quien hizo una interpretación realmente magistral y fue muy alabado por la crítica. La película tuvo tanta repercusión que fue elegida para representar a España en los Oscar de Hollywood, estatuilla que se llevó a casa en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Por esta película recibió otros numerosos premios, como el Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, el premio al mejor director en los Premios del Cine Europeo, los Spirit Awards a la mejor película extranjera y el Globo de Oro a la mejor película extranjera. También arrasó en los Goya consiguiendo el récord de catorce estatuillas de las quince categorías en que estaba nominada.

Recientemente ha estrenado su quinta película, Ágora, en la que de nuevo se ha atrevido a cambiar de registro para presentarnos una película histórica, situada en la ciudad de Alejandría en el año 391 d.C. para contarnos la historia de una filósofa y astrónoma, Hipatia, obsesionada con encontrar las respuestas que busca del mundo mientras a su alrededor se suceden revueltas religiosas que arrasan la ciudad.

Esta película fue en su momento una auténtica revelación, aclamada tanto por la crítica como por el pública y que obtuvo siete goyas, entre ellos a mejor película, mejor dirección novel para el propio Amenábar, mejor actor revelación para el entonces desconocido Fele Martínez, mejor guión original, dirección de producción, montaje y sonido.


También sirvió de trampolín para sus protagonistas, la mayoría de ellos desconocidos hasta el momento, pero Fele Martínez y Eduardo Noriega encontrarían en Tesis la oportunidad de demostrar que habían llegado al panorama cinematográfico y pensaban quedarse, una oportunidad de recordar a la que había quedado algo olvidada, Ana Torrent. Pero sobre todo fue la película que marcó el inicio de uno de los directores de cine español más exitosos y, para mi, el que más talento posee, un auténtico genio que hace del cine una obra maestra.

La película consigue mantener la tensión desde que comienza hasta que acaba, nos cuenta la historia de Ángela, una chica ue prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, un día su director de tesis descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Cuando lo encuentran, Ángela y su compañero Chema deciden llevarse la cinta, para descubrir que se trata de una snuff-movie donde una chica es torturada y asesinada. A partir de este punto se abren un montón de interrogantes, ¿de dónde ha salido esa cinta y como ha llegado hasta allí?, ¿quién es la chica?, pero sobre todo, ¿quién lleva a cabo tales crímenes?... Ángela acaba de comenzar una frenética huida de la que ni siquiera es consciente hasta que ya no puede dar marcha atrás.


Ya en su primera película Amenábar no temió meterse en un tema tan macabro como polémico, las snuff-movie, para conseguir una película que con pocos medios contenía todo lo necesaria para mantenerte agarrado al asiento.

Después de Tesis, Amenábar volvió a contar con sus dos protagonistas masculinos, Fele Martinez y Eduardo Noriega, junto a Penélope Cruz para su siguiente película.

En ella César, protagonizado por Eduardo Noriega, es un chico rico y guapo que está hecho todo un casanova, pero, como a todo cerdo le llega su San Martín, en su fiesta de cumpleaños conoce a Sofía, interpretada por Penélope Cruz, que ha venido acompañando a su mejor amigo, Pelayo, de nuevo Fele Martinez, y se enamora perdidamente de ella. Pero a partir de ese momento, lejos de conseguir una vida idílica, esta se convierte en pesadilla cuando Nuria, Najwa Nimri, siempre enamorada de César y movida por los celos provoca un accidente de coche en el que ella fallece y el rostro de él queda completamente desfigurado.


A partir de este momento su vida se convierte en algo extraño y onírico, lleno de paranoias y escenas en las que se mezcla la realidad y la imaginación para contarte una historia sin igual, en la que la música encaja perfectamente con la imagen, unos temas compuestos por Alejandro Amenábar y Mariano Marín e interpretados por la orquesta filarmónica Ciudad de Praga, dirigida por Mario Klemens.

A destacar la escena en que Eduardo Noriega corre por la Gran Vía madrileña desértica, algo inaudito, y que sentaría precedente en posteriores películas. También la escena de la terraza, que me parece de una enorme belleza. Una película realmente bella y extraña, que fascina y perturba a partes iguales, que demuestra el talento de su realizador y que resulta imprescindible para cualquier amante del cine.


Como ya he comentado en 2001 Tom Cruise se interesó en hacer el remake de Abre los ojos, al que se llamó Vanilla Sky, contando con Penélope Cruz para interpretar el mismo papel que en la película original.

La película Los otros es una película original desde su planteamiento hasta su realización, comenzando con contar con actores británicos, la australiana Nicole Kidman como protagonista, equipo español y rodaje en inglés en una mansión cántabra que dice situarse en la isla de Jersey, lo que la convierte en la primera película de la industria cinematográfica española con una coproducción de semejantes características, lo que en el fondo benefició a la cinta ya que en Estados Unidos se consideró un film norteamericano, mientras que en España seguía siendo una película española, e incluso la más taquillera de la historia en su momento.


La historia se desarrolla en la isla de Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial y nos cuenta la vida de Grace Stewart, Nicole Kidman, y sus dos pequeños hijos, quienes viven en una antiguo caserón victoriano y remoto, esperando a que el padre de familia, Charles, retorne a casa tras la guerra, sin saber que ha sido de su suerte. Los niños sufren una extraña enfermedad que incluye la fotofobia, por lo que sus vidas estás estructuradas en base a una serie de reglas diseñadas para protegerlos de cualquier exposición a la luz solar.

La llegada de tres sirvientes a la casa, una niñera, una jardinero y una joven muda, coincide con otros extraños eventos, por lo que Grace comienza a temer que no se encuentran solos y se empeña en atrapar a los extraños intrusos pero no logra encontrarlos, mientras sus hijos cuentan historias de fantasmas que, según sus creencias, vivían en la casa.


En esta ocasión Amenábar incluye al género del thriller la componente del terror, convirtiendo esta película en otra gran sorpresa inesperada, como ya lo fueron Tesis y Abre los ojos, pero aderezada con una serie de sustos perfectamente planificados que se adaptan a la perfección con la tensión sostenida de la cinta. La película obtuvo 8 premios Goya de 15 candidaturas, las de mejor película, director, fotografía, guión original, sonido, dirección artística, montaje y dirección de producción.

Con Mar adentro, Amenábar cambia totalmente de registro, demostrando que no solo es un maestro en el thriller sino sencillamente un auténtico genio del cine, que es capaz de hacer de cualquier historia una maravilla visual que conquista por su sencillez y genialidad.

La película se basa en la conocida vida de Ramón Sampedro, intentando ser lo más verídica posible en todo momento, pero para aquellos que hayan olvidado ese nombre que fue tan polémico hace una década refresquemos la memoria. Ramón era un marinero que tras un accidente sufrido en su juventud quedó tetrapléjico y postrado en una cama durante cerca de treinta años y que en sus últimos años luchó con todas sus fuerzas desde la cama que era su prisión por poder morir dignamente, siendo el primero en España en pedir públicamente la eutanasia, ante su incapacidad para poder cometer el mismo un suicidio.


En la película conocemos a Ramón Sampedro a través de la piel de Javier Bardem, y su mundo que se reduce a su habitación, hasta la que llegan Julia, su abogada, interpretada por Belen Rueda, y Rosa, en la piel de Lola Dueñas, una vecina que trata de devolverle el interés por la vida, pero lo cierto es que la gran personalidad de Ramón es la que consigue cambiar por completo los principios de ambas.

De nuevo Amenabar se arriesgó con un tema polémico como era la eutanasia y con una historia rodeada de opiniones muy diferenciadas como era la vida y la muerte de Ramón Sampedro. La crítica y el público en general fue muy favorable con la película, aunque como era de esperar también hubo críticas, no es para menos tratando un tema y una historia tan concreta. Una película llena de belleza y de sentimientos, que a mi no me resulto empalagosa en absoluto, una oda a la vida, y a la muerte como parte de la misma.


Esta película también fue avalada con numerosos premios, para empezar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El León de Plata en el Festival de Venecia como Premio Especial del Jurado. Mejor director y mejor actor protagonista en los premios del Cine Europeo, Globo de Oro a la mejor película extranjera y catorce premios Goya.

Reciente es aún el estreno de la última película de Amenábar, y nuevamente cambiando de registro se atreve con una película histórica, cuyo nombre, Ágora, se refiere al espacio abierto que funcionaba como plaza pública y era el centro cultural, comercial y político en las ciudades griegas y romanas.

Ágora comenzó en 2005, cuando el propio Amenábar y su amigo Mateo Gil se pusieron manos a la obra con la elaboración del guión y comenzaron a perderse entre libros de Historia y Astronomía que los atraparía en el Egipto de hace 1600 años. A lo largo del proyecto el director ha contado con la colaboración y asesoría de astrofísicos, filósofos e historiadores que abrieran luz sobre las lagunas de sus creadores.

La película fue rodada en la isla de Malta, centrando sus escenarios fundamentalmente en el Fuerte Ricasoli. También debo mencionar que la ambientación, decorados, efectos, vestuario y música son perfectos, y nada tiene que envidiar a las grandes superproducciones norteamericanas, consiguiendo una película completamente creíble y que deja respirar el respeto por ser lo más verídica posible, todo ello al módico precio de unos 50 millones de euros.

Amenábar nos regala con Ágora, como ya hizo en sus películas anteriores, una película con diferentes lecturas, nos muestra el eterno enfrentamiento entre la razón y la religión, al tiempo que nos cuenta sencillamente la vida de Hipatia, una filosofa y astrónoma que lejos de todo lo que acontece a su alrededor vive obsesionada por dar respuesta a sus preguntas sobre el mundo.


La historia se desarrolla en un mundo que es casi legendario y prácticamente olvidados, en una época y un lugar únicos, la ciudad de Alejandría, Egipto, a partir de 391 d.C., cuando el Imperio Romano gobernaba esas tierras y la ciudad se había convertido en crisol de las antiguas culturas egipcia, griega y romana, pero en medio de este crisol la religión cristiana acaba de ser legalizada, pero no conformándose con eso aspira a convertirse en la única religión oficial del Imperio, tratando de desterrar el resto de creencias que considera cultos paganos, lo que derivará en violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría que alcanzarán a su legendaria Biblioteca y el resto de maravillas que brillaban en la bella ciudad.

Entre los muros de la biblioteca una brillante astrónoma, Hipatia, magistralmente interpretada por una magnífica Rachel Weisz, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo más que su propia vida. A su alrededor varios hombres disputan su corazón, Orestes y el joven exclavo Davo, que se debate entre el amor que profesa a su ama en secreto y la libertad que tanto desea y que podría conseguir uniéndose a la fé cristiana, pero Hipatia no busca el amor de nadie, ella ya ha dado su amor a la filosofía y a ella piensa entregarle su vida y corazón.


En la película la filósofa consigue fascinarme en sus obsesiones consiguiendo que las revueltas queden relegadas a un segundo plano, que realmente impacta y duele con la destrucción de la biblioteca, cuando sientes lo salvaje que puede ser el ser humano buscando la libertad del modo incorrecto. Flojos se quedan el resto de personajes, sobre todo el de Davo, quien no llega a convencer ni en su devoción a su ama ni en su conversión a la fé cristiana para conseguir ser libre cuando no quiere serlo, en el fondo se convierte tan solo en un alma errante que no consigue encontrar su lugar en el mundo, un lugar que solo ha podido atisbar en los ojos de Hipatia, pero a la que por mucho que ame no le dedica ni la mitad de la devoción que ella le regala a la ciencia.

En cualquier caso Amenábar vuelve a cumplir con esta magnífica película que seduce de nuevo en sus niveles más sencillos que en sus lecturas más complejas.

Las adaptaciones del manga a la gran pantalla parecen estar abocadas a la mala suerte, tal es el ejemplo de Akira que en ocasiones se habla de ello y de repente está olvidado; o el caso de Bola de Dragón que si que tuvo su adaptación pero más nos hubiese valido que no la tuviera para la película que hicieron (que no sé si se le puede llamar película...).

Para quienes no conozcan Ghost in the Shell se trata originalmente de un manga de Masamune Shirow que comenzó en 1989 y que posteriormente llegaron sus adaptaciones anime, dos películas y una serie televisiva.

De nuevo Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander llegan a nuestras pantallas para contarnos como siguen sus vidas, en esta nueva entrega el periodista Kalle verá como una gran oportunidad llega a su periódico Millennium de la mano de un colega empeñado en desenmascarar el trafficking (tráfico de personas para su explotación sexual) del país y a las personas que se aprovechan de esa situación.

En esta nueva entrega Lisbeth se alejará de Mikael y de Suecia para pasar un año viajando por el extranjero y poner su cabeza en orden, pero al volver a su país se verá envuelta de nuevo en problemas, relacionados de cerca con el trabajo de Mikael Blomkvist, del que parece no poder deshacerse.

Si la primera entrega tuvo acción, esta segunda deberá dejarnos sin aliento, al menos si se adapta al libro como debería.

Personalmente he decidido no ver ninguna de las tres películas hasta que las tres salgan a la luz y poder verlas de un tirón, tal y como he hecho con los libros, devorarlos uno tras otro, palabra tras palabra.

Para quién aún no haya leído este segundo libro, aquí os enlazo la página de descarga del primer capítulo del libro, realmente te deja fuera de juego, os recomiendo su lectura, si no os engancháis leyendo esas pocas páginas el universo de Stieg Larsson no está hecho para vosotros.

Para más información sobre Stieg Larsson y la trilogía Millennium consultad mi blog Refugio Interior.

The IT Crowd, conocida en España como Los informáticos, es una comedia escrita por Graham Linehan y producida por Ash Atalla para la emisora británica Channel 4. El nombre de la serie se refiera a los departamentos de tecnologías de la información, IT en sus iniciales en inglés. La serie cuenta con tres temporadas realmente cortas, ya que cada una consta de tan solo seis episodios, pero lo cierto es que ni un solo minuto tiene desperdicio.


La serie comienza con la entrada en el departamento de informática de las oficinas de Industrias Reynholm de su tercer miembro, Jen, a carga del propio departamento. El trabajo del equipo de informáticos se desarrolla en un desordenado, sucio y caótico sótano, que contrasta con las fantásticas vistas de Londres que vislumbramos cuando el equipo se asoma por el resto de las oficinas.

Moss y Roy son los dos técnicos informáticos, tildados como socialmente inadaptados y geeks, y muy alejados de la gente "normal" que inunda el resto de las oficinas. Roy (Chris O'Dowd) demuestra a menudo que con dos sencillas preguntas se arreglan el 90% de los problemas informáticos: "¿Has probado a apagarlo y encenderlo otra vez?", "¿Estás seguro de que está enchufado?", y es tan vago que hace grandes esfuerzos por esquivar su trabajo como informático, pasando el día comiendo comida basura y leyendo cómics, en cada capítulo lleva una camiseta bastante geek y su origen irlandés suele ser motivo de bromas dentro de la serie.


Para el resto de problemas está Moss, (Richard Ayoade) con amplios y complejos conocimientos de la materia, pero difícilmente comprensible, al dar respuestas tan exactas como indescifrables, este personaje es el elemento geek elevado a la enésima potencia demostrando muy poca capacidad para enfrentarse a problemas cotidianos como apagar un pequeño incendio o matar una araña. Es el típico nerd, que aún vive con su madre y concierta citas on-line.


Jen (Katherine Parkinson), la nueva en el equipo, es una persona con nulos conocimientos técnicos, aunque en su curriculum ponga lo contrario, pero ella como mentirosa compulsiva a fin de conseguir el objetivo necesario y el hecho de que el jefe de la compañía, Denholm, sea también un completo desconocedor en conocimientos informáticos supone que quede convencido de su experiencia y la ponga al frente del departamento informático. En realidad el trabajo de Jen una vez dentro del equipo se dirigirá más a intentar acercar la informática y el marginado equipo técnico al resto de los trabajadores de las oficinas, ya que su trabajo no se valora en su justa medida dentro de la empresa, pero sus esfuerzos suelen conseguir el efecto contrario, dejando a Jen en situaciones tan ridículas como a Roy y Moss.


Los otros personajes habituales en la serie serán:

Denholm Reynholm (Chris Morris), director de Industrias Reynholm, un hombre modernos y siempre dispuesto a proponer nuevas iniciativas por ridículas que resulten, como baños mixtos, seminarios contra el estrés, etc, todas ellas con la intención de mejorar la productividad de su empresa, pero es un hombre que se distrae con facilidad y presta poca atención a la gente con la que conversa.

Richmond Avenal (Noel Fielding), es un extraño chico gótico que habita en la sala de servidores, tras la puerta roja, ignorado y olvidado por el resto del departamento.

Douglas Reynholm (Matt Berry), es el hijo del director de Industrias Reynholm, que aparece para suceder a su padre heredando la empresa y convirtiéndose en el nuevo director. Es un hombre en extremo extrovertido y atraído por las mujeres, con las que tiene varios juicios pendientes por acoso. Jen se verá en más de un aprieto tras la aparición de su nuevo jefe.

En marzo de 2009 fue anunciada la realización de una cuarta temporada, que personalmente ansío ver.

Como es habitual en la industria cinematográfica americana, todo aquello que les gusta tratan de hacerlo a su modo, por lo que en principio se ha proyectado una serie (copy/paste) de la serie británica, con el mismo título pero con distintos actores para interpretar los papeles, excepto en el caso de Moss que lo interpreta el mismo actor. Por ahora parece que solo se ha rodado el capítulo piloto, aunque estaba prevista una temporada de trece episodios, que aún no ha sido emitido, parece no haber tenido éxito este intento de remake. Personalmente me parece completamente innecesaria esta serie teniendo en cuenta la gran calidad de la serie original, incluso con sus escasos medios. La serie británica es buena por su ingenio y su humor, y copiarla sería solo un gasto de recursos que al menos a los espectadores no va a aportarles nada nuevo.


En Alemania también se ha hecho un remake de la serie, el cual desconozco, por lo que no puedo dar más datos.

TITULO ORIGINAL: Inglourious Basterds
AÑO: 2009
DURACIÓN: 153 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Samuel L. Jackson, Enzo G. Castellari
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania; Universal Pictures / The Weinstein Company / Lawrence Bender Productions / Neunte Babelsberg Film
WEB OFICIAL: http://www.malditosbastardos.es
GÉNERO: Bélico (Segunda Guerra Mundial). Acción. Aventuras.
SINOPSIS: Segunda Guerra Mundial. Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreto que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse...
CRÍTICAS:
- "Desde el momento en que aparece en pantalla el carismático y sonriente nazi [Waltz] (...) se adueña del film incluso más que su creador. (...) pocas veces una película suya se ha sentido tan interminable como esta" (Manohla Dargis: The New York Times)
- "Al infierno con los libros de historia; Tarantino libra su propia guerra. (...) una gran, valiente y audaz película bélica (...) Puntuación: **** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Sorprendentemente mansa (...) El film no es en malo en absoluto, pero las cosas en que pensamos por ser 'de Tarantino': largos -y salvajemente divertidos- diálogos, el humor en la violencia (...) se echan mucho de menos." (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
- "Visualmente atrapante (...) De nuevo, el director americano difumina los géneros en el cine (...) Tarantino ha logrado un glorioso, tonto y sangriento retorno." (Emma Jones: BBC News)
- "Notablemente brillante. Con tanto carácter como su título, es una película maravillosamente interpretada que trastoca las expectativas todo el rato. Y puede que tenga la dirección y escritura más segura y audaz de la carrera de QT." (Chris Hewitt: Empire)
- "Tarantino reescribe la historia con la única autoridad que posee: su reinado como director de cine. ¿Dividirá a la audiencia? Denlo por hecho. Pero para cualquiera que profese amor verdadero por el cine, no hay resistencia. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
- "No es aburrida, pero es ridícula y terriblemente insensible (...) La película está realizada con habilidad, pero es demasiado tonta para ser tomada en serio, incluso como broma." (David Denby: The New Yorker)
- "Tarantino falsea la historia con bastante gracia. (...) se presta a todo tipo de delirios (...) con una invención muy poderosa (...) tiene su punto Brad Pitt" (Carlos Boyero: Diario El País)
- "Es gigantesca, entretiene a ratos, tiene momentos pasablemente ingeniosos (...) un despliegue visual y musical acostumbrado... pero uno tiene la impresión de que el que más se divierte con ella es el propio Tarantino." (Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Revisionismo pop. (...) Su gloria está en el exceso, (...) en mezclar diálogos perfectos y recursos visuales deliberadamente estridentes y, por supuesto, en atreverse a proponer una realidad alternativa" (Jordi Costa: Diario El País)
- "Diálogos magistrales, violencia, sentido del humor y, esto es nuevo, un galimatías de idiomas realmente gozoso. Se aprecia además, una madurez en la puesta en escena. (...) tiene falta de ritmo y lagunas narrativas" (Luis Martínez: Diario El Mundo).

"Erase una vez, en la Francia ocupada por los nazies..." cuando Tarantino soñó con una realidad alternativa de la segunda guerra mundial y le dio vida en Malditos Bastardos, una película que cuenta con su sello y genialidad, en la que entremezcla la realidad y la ficción. Sus más de dos horas y media de metraje no se hacen ni mucho menos largas, sino que transcurren en un segundo divertido, surrealista, y realmente genial.

Tarantino nos da lo que siempre promete, sus magníficos diálogos, un dominio visual de la trama, acción y violencia a raudales, y unos personajes legendarios que mantienen la tensión de la historia con sus poses y sus miradas desafiantes, todo mezclado con una música que como siempre, no pasa desapercibida sino que encaja en cada segundo.

Como ya hizo con Kill Bill, Tarantino nos cuenta la historia por capítulos, y como en todas sus películas con pequeñas calmas que preceden a las tempestades hasta llegar al clímax final de violencia y sangre que hará las de delicias de sus aficionados.


La película comienza en una casa francesa, donde los alemanes llegan de visita, tras una larga conversación del coronel Hans Landa, con el dueño del hogar, en el que los diálogos magníficos a los que Tarantino nos tienen aconstumbrados nos dejan ver que nos encontramos ante un alemán realmente inteligente y letal, solo una pequeña judía sale viva del primer tiroteo, corriendo a través de la pradera, la dulce Shosanna. Al mismo tiempo, en otro lugar de Europa el teniente Aldo Raine, interpretado por Brad Pitt, reune a un grupo de soldados con una única misión: ¡matar nazis!, en la vorágine de la barbarie nazi a la caza de judíos en la Francia ya ocupada por las tropas alemanas. El grupo liderado por Aldo Raine se hace llamar los bastardos y quieren hacer llegar su mensaje de venganza hasta lo más recóndito del universo nazi. Y con estos tres elementos en juego, y por supuesto Hitler y el alto mando alemán revoloteando a lo largo del metraje, la historia se retuerce hasta que todos ellos se encuentran bajo la marquesina de un cine francés plagado de alemanes, donde los malditos bastardos por un lado y Shosanna por la otra claman venganza, mientras el impecable coronel Hans Landa desmonta y complica cada oportunidad que se forjan.


Lo más flojo de la película a mi parecer, el papel y la interpretación de Eli Roth, quien deja claro que no es actor y el momento de ingeniudad que un hombre como el coronel Landa sufre que resulta dificilmente creíble. Como escenas más llamativas la tensión en la taberna, y las apariciones de Hans Landa y su increíble puesta en escena, y sobre todas ellas la escena final donde claramente... "es una obra maestra".

La serie está basada en la novela homónima de Robert J. Sawyer, autor de ciencia ficción canadiense, aunque existen diferencias importantes entre la obra escrita y la obra filmada. En su primera temporada cuenta con 13 episodios de unos cuarenta minutos de duración y un alto presupuesto, con un argumento cerrado que se desarrolla desde el momento del desvanecimiento hasta que se cumpla el día y la hora de su futuro vislumbrado.

Para la investigación se creará una base de datos en internet para que cada persona pueda compartir su visión y comprobar las conexiones entre ellas, en busca de algo que les aclare el misterio, pero lo más inquietante es descubrir como ciertas personas misteriosamente no se desvanecieron como el resto del mundo.

La serie se emitirá en España en los canales AXN y Cuatro, y mucho se ha especulado sobre ella antes de su estreno, comparándola con el fenómeno causado por Perdidos, o en su día 24 (cosa que personalmente no me resulta favorable pues nunca me ha enganchado a ninguna de las dos), pero desde luego ha sido una de las series más esperadas del año. Ahora solo nos queda por ver si la serie está a la altura de las expectativas, por de pronto el piloto está realmente currado, tanto en su trama como en sus efectos, y te deja con ganas de saber más.