La película está plagada de caras conocidas, como protagonista de la historia está Timothy Hutton, aunque todos los secundarios son también protagonistas y tienen sus pequeños historias personales. La aparición de la pequeña Natalie Portman en esta película es una delicia, de la que sería imposible no enamorarse. Los otros dos protagonistas que me parecen más reseñables son Uma Thurman y Matt Dillon.

La cinta realmente es sencilla, no cuenta con una gran historia que contarnos, sino con las habituales vidas de un grupo de amigos, que se encuentran en una encrucijada habitual en la vida, donde encaminar sus vidas cuando sus sueños se han esfumado y solo queda la realidad, una realidad que a la mayoría de ellos no les gusta pero sin la que no pueden vivir ni ser ellos mismos, la realidad que los hace quien son y que realmente los define.

El personaje de Matt Dillon es el que probablemente más exacerba esa diferencia entre la realidad y los sueños de juventud, para al final darse cuenta de que realmente no es otra cosa que humano, y que es su vida lo que le hace feliz, no sus sueños.

Personalmente nunca olvidaré la frescura de Natalie Portman, ni la escena que comparten Uma Thurman y Timothy Hutton.

Bueno, para comenzar vamos a hablar de ambos formatos de Spirit por separado, comenzando por el original.

The Spirit nació a manos de Will Eisner en 1940, en una serie de historietas que fue publicada por primera vez en un suplemento dominical de algunos periódicos estadounidenses. El cómic engloba varios géneros, sus influencias más claras son el género negro y policíaco, aunque también mezcla comedia, romance y aventuras.

El cómic nos cuenta las aventuras de una justiciero enmascarado, al estilo de los vigilantes de Watchmen, llamado Denny Colt, quien lucha contra el crimen bajo un alias, The Spirit. La historia comienza con la supuesta muerte del protagonista, y digo supuesta porque debido a un experimento ocurrido en el pasado había quedado en un estado de animación suspendida, por lo que no podía morir. Pero su muerte supone la excusa para comenzar una vida de lucha contra el crimen, ataviado con una pequeña máscara, un traje, un sombrero y guantes. The Spirit administra justicia y financia sus aventuras con las recompensas recibidas por la captura de villanos.

Las constantes más recurrentes del comic son el amor entre The Spirit y Ellen Dolan, hija del comisario, que se ve a menudo enturbiado por la aparición de hermosas pero mortales femme fatale. El villano por antonomasia es Octopus, un cerebro psicópata criminal que nunca se ha visto, exceptuando sus distintivos guantes.

Para empezar lo bueno de una adaptación es, a priori, la fidelidad de la misma a la versión original, ya sea formato libro, cómic, videojuego... etc. En este punto, podemos decir que nada tiene que ver la versión cinematográfica de Spirit con el cómic de Will Eisner.

Algunos podrían decir, que también se puede tratar de adaptar una obra tomándose ciertas libertades para mejorarla, como es el caso de Blade Runner, que ya traté extensamente en su día y en su post. Pero desde luego tampoco nos encontramos antes este caso.

Así que yo me pregunto, ¿cómo un creador de cómic como Frank Miller, que ha dado vida a Sin City y 300 y versionado otros distintos héroes conocidos por todos, ha cometido el inmenso error de intentar adaptar una obra de comic de la peor forma posible?, es decir saltándose todo el espíritu del comic para hacer la película que le ha venido en gana.

Desde luego que en el mundo del cómic Frank Miller me parece que es uno de los grandes nombres, pero en cuanto al cine, le queda mucho que aprender. Tuvo su primera experiencia con Sin City, ayudando a Robert Rodriguez a dar vida a sus personajes y su aportación y la pericia del director dieron lugar a una obra como pocas, pero parece que lo poco que aprendió con esa película quiso adaptarlo, como si solo existiese esa estética en el mundo cinematográfico o fuese la mejor, que para nada se parecía a la del cómic original, más similar a un estilo Dick Tracy, colorista y divertido. En Sin City, sin duda, era la estética necesaria, pero en The Spirit nada más lejos de la realidad.

De la película poco más se puede decir, un montón de buenos actores y caras conocidas en el mundo del cine, que realmente están desaprovechados en una película que al final, dejando de un lado la estética y metiéndonos en la trama, también suspende. Los personajes son completamente planos, no tienen nada que aportar a una película que de por si es vacía y sin aliciente alguno.

Conclusión: Un consejo para Frank Miller: "dedícate a los comics que es lo tuyo, y si quieres pasarte a otro tipo de proyectos al menos pide ayuda a quienes saben hacer bien su trabajo".

Esta película está basada en la serie de comics de James O'Barr, del mismo título. Nos cuenta como un hombre llamado Eric Draven vuelve del más allá un año después de su muerte, resucitado por un cuervo, el animal que enlaza el mundo de los vivos con el reino de los muertos. Su único objetivo es la venganza, más que por su propia muerte por la de su novia, por el hecho de despojarles de la feliz vida que hubieran podido tener juntos. El cuervo lo dota de la inmortalidad, de fuerza sobrehumana y de su propia protección, lo que hará que no se detenga hasta vengar sus muertes.

La estética de la película es realmente notable, oscura, y seductora, sin duda sello de su director, Alex Proyas, que repetiría una estética muy notable y similar en Dark City. La ciudad está dominada por una atmósfera oscura y brutal en la que reina la violencia. La película engancha desde el primer momento, con un ritmo que no decae en ningún momento y unos personajes que convencen y se definen bien, tanto ellos mismos comos sus interrelaciones

La muerte de su protagonista tuvo lugar el 31 de marzo de 1993, cuando Brandon Lee contaba con tan solo 28 años, en la escena en que es tiroteado, una de las balas del tambor resultaba ser verdadera, se dice que fue un accidente ya que se trataba de una bala vieja que no habían advertido, pero aquí nace el mito, y lo cierto es que la casualidad parece un poco fuera de lugar, pero nunca sabremos cual es la realidad. En cualquier caso, tanto siendo esta su última película como no, me parece que Brandon Lee realiza en ella su mejor actuación, donde se mete completamente en el personajes y nos convence de que realmente es el Cuervo, él único e irrepetible.

Posteriormente se hicieron varias películas más, así como una serie de televisión, que en mi opinión pierden mucha calidad, tanto en la historia como en la estética:

El cuervo: Ciudad de Angeles, en este caso la venganza será acometida por un padre en nombre de su hijo y el mismo.

El cuervo: Escalera al Infierno (serie de televisión), serie de 22 episodios donde retoma la historia de la película original y, esta vez con Mark Dacascos como protagonista, Eric Draven vuelve de la muerte en busca de venganza.

El cuervo: Salvación, en su tercera entrega la historia será similar a la primera, al igual que en la cuarta, El cuervo 4.

El diario de Noa comienza en una residencia de ancianos, donde una mujer anciana observa por la ventana, un hombre aparece, viene a leerle una historia: la historia de Noah y Allie, de como se encontraron, siendo unos adolescentes, se conocieron y se fueron enamorando perdidamente el uno del otro, pero aquello ¿era una historia de verano o sobreviviría a aquel verano?, ¿podría sobrevivir al tiempo y al espacio?. Las circunstancias de la vida y algunas personas de su entorno les separan, y sus vidas toman caminos distintos, pero como la vida misma, volverán a encontrarse, y solo de ellos dependen el resto de sus vidas.

La historia es preciosa, cae, como es inevitable, en algunos tópicos del género, pero afortunadamente no se deja arrastrar por ellos y nos muestra un amor que podría ser verdadero, no busca encandilarte con escenas melosas, pero te enamora con la sencillez, la complicidad, el silencio, las miradas, las palabras sin fin...

Una pequeña joya del género que resulta una recomendación asegurada para todos los amantes del género, y también para los que no lo son. Esta película se te meterá muy dentro.

En lo alto de la lista quiero destacar una película que pese a ser romántica no es para nada típica, todo lo contrario, se salta todos los tópicos y reinventa el género dejándose influir por casi todos los géneros excepto el del propio romance, para regalarnos una obra que en el fondo se reduce a una historia de amor, desde luego no simple, si no todo lo enrevesada que se puede lograr, empezando con su nombre original y precioso: Eternal Sunshine of the Spotless Mind, tristemente traducido al español como Olvídate de mi.

Todos en algún momento de nuestras vidas hemos deseado que esa tarea fuese fácil: olvidarse de la persona amada tras una ruptura, pero si una cosa es cierta es que en un cometido realmente complejo, porque cuanto más aferrado has estado a la otra persona más partes de ti se han visto de un modo u otro impregnados por su esencia, y si tratas de borrarla de tu mente sin más, dando un simple clic a un botón solo lograrás borrar una parte de ti.

Y ya que se trata de una película romántica si que se toma al menos una pequeña licencia, que en el fondo es cierto en cualquier vida real, cuando una persona ya forma parte de ti de una forma irremisible por mucho que trates de borrarla de tu cerebro se deslizará a través de tus recuerdos para nunca desaparecer porque ya forma parte de tu propia esencia.
Una forma realmente interesante de entender el amor y el desamor.

Este bonito cuento de Tim Burton nos relata como un inventor creó un muchacho, pero la muerte lo sorprende dejándole inacabado, con tijeras en vez de manos, pero con un corazón lleno de bondad. Vive durante años vive solo en la mansión del inventor ignorando la vida que hay fuera, pero un día una mujer lo descubre y lo lleva a la ciudad, donde no todo el mundo comprende y ama al joven, y donde encontrará personas y cosas que le harán sufrir, pero también cosas tan maravillosas como el amor.

Como es habitual en las películas de Tim Burton, la estética es algo notable, original y diferente, y Eduardo Manostijeras no es una excepción a esta regla, siendo una película originalísima tanto en su planteamiento como visualmente. Pero en el fondo el personaje de este cuento no es otro que un Frankenstein reinventado, un ser extraño e incomprendido rodeado de un ambiente hostil que lo teme tan solo por ser diferente. Pero, afortunadamente, siempre hay personas que miran más allá de la fachada, que buscan en el alma y descubren la bondad que allí habita.

Una historia de amor preciosa, de esas que te hacen sentir que todo es posible tan solo con la fuerza del amor. Un increíble cuento que requiere un visionado imprescindible.

La película de mi infancia, esa típica historia de amor con la que todos crecemos y que nos hace soñar. Dirty Dancing. Dos personas procedentes de muy diferentes estilos de vida se encuentran en un punto de sus vidas, por antojo del destino. Ella es Baby, una adolescente de clase acomodada, aún muy inocente, él es Johnny, un profesor de baile que ha vivido más de lo que quisiera y se gana la vida con su danza y siendo un juguete de mujeres ricas. Su historia parece imposible, pero cuando suena la música todo es posible.

La película es romántica y tierna, cuenta ese gran paso de niña a mujer que vive Baby para convertirse en Francis, como esa dulce niña puede cambiar la vida de un hombre que creía haberlo vivido todo pero le faltaba lo más importante, el amor. ¿Cómo no va a conquistarte esta película cuando la ves de niña y sientes que todo eso es posible?.

La banda sonora merece una mención especial, muy especial, siendo una de mis bandas sonoras favoritas. Sus letras se han escuchado una y mil veces convirtiéndose en clásico de las bandas sonoras.

"...tengo miedo de lo que vi, de lo que hice, de lo que soy, pero sobretodo tengo miedo a salir de esta habitación y no volver a sentir nunca lo que siento estando contigo..."

A falta de ver su secuela, Antes del atardecer, puedo decir que su primera película enamora desde el principio por su sencillez, tan solo dos personajes llevan el peso de la película pero con su fluida conversación, sus miradas, sus gestos llenan la pantalla y la película pasa a convertirse en un poema en movimiento. Una de esas pequeñas maravillas para deleitar los sentidos que no os podeis perder.

En Antes del amanecer conocemos por vez primera a Julie Delpy en el papel de Céline encarna a una estudiante francesa que se encuentra en un tren, otra vez por azar del destino, con Ethan Hawke en el papel de Jesse, un joven estadounidense que realiza un viaje a través de Europa. Cuando llegan a Viena, Jesse debe descender y logra convencer a Céline para que pase la noche de su viaje con él caminando por la capital austriaca. Esa noche será especial e inolvidable, se conocerán a fondo mientras recorren las calles. Viviendo un amor que saben que solo podrá existir durante esa noche.

La historia de El curioso caso de Benjamin Button es, en principio brillante, un hombre que vive su vida al revés que el resto de los humanos: nace viejo y conforme pasan los años se va haciendo más y más joven. Brad Pitt y Cate Blanchett encarnan los papeles protagonistas, y sus personajes conectan a la perfección. La historia se sucede a lo largo de sus casi tres horas de metraje contando la historia desde dos perspectivas, como sucedió la vida de Benjamin y como la siente y recuerda Daisy en una cama de hospital a punto de morir, descubriendo partes de su vida y sus sentimientos que el propio Benjamin no conocía. Esta magnífica historia de amor imposible está contada desde un punto de vista nada sensiblero, lo que la hace incluso más maravillosa, ya que no se deja caer en tópicos.

Tal vez decir que amor a quemarropa es una película romántica puede resultar un poco chocante, pero en el fondo no es otra cosa que una película de amor de dos personas no muy convencionales en un entorno realmente chocante. Pero pensándolo fríamente, ¿qué clase de película de amor puede salir del hiperactivo cerebro de Quentin Tarantino?, ¡precisamente esta!.

La película cuenta con lo característico tanto de su guionista como de su director, vemos claramente una historia Tarantiniana al máximo, con sus increíbles diálogos rápidos y llenos de genialidad, sus múltiples referencias a la cultura pop y la violencia tan característica de Tarantino. Por parte de su director, Tony Scott, vemos su forma de mover la cámara y su ritmo para contar la historia. La música corre de parte del siempre efectivo Hans Zimmer.

Metiéndonos en Amor a quemarropa, los personajes principales en torno a quienes giran la historia son Clarence, un reflejo del Tarantino de aquella época, y Alabama, la mujer que siempre quiso encontrar. Ambos son él uno para él otro lo que siempre buscaron y necesitaron para ser un todo. Para Clarence, Alabama es la mujer de sus sueños, alguien que lo mira directamente a él como persona, más allá de como el hombre fracasado vendedor de cómics (...como un Tarantino en su videoclub), que el resto del mundo ve, a ella le gusta y se enamora de la persona que él es, se emociona por cada detalle que el le cuenta, ya sea sobre un cómic de Spiderman o una película de Kun-fu, o por la pasión que siente por Elvis. Del otro lado está Alabama, que por primera vez se siente tratada como una princesa, siente como él está orgulloso de estar con ella y la trata con ternura y cariño, en conclusión que la trata como la persona que es y no como la prostituta a la que el resto desprecia. Se aman como personas, por encima de lo que los demás puedan pensar, de la manera más auténtica que puede existir.

Cuando acabas de ver Un paseo para recordar caes en la cuenta de que te han contado la típica historia de amor lacrimosa, pero te la cuentan de una forma diferente y refrescante, de modo que mientras la visionas logra engañarte y cautivarte. Aunque bien es cierto, que este no es el caso de la típica historia de amor adolescente, se trata de un amor entre dos personas, donde la edad es solo un dato sin importancia. Ese amor que cambia la vida de ambos, les hace personas diferentes, creciendo de forma personal a través de la mirada del otro.

La historia es bonita, te hace reflexionar sobre lo que es importante en la vida: el amor y la esperanza. Por otra parte, parece querer emular a la mítica Love Story, la película romántica por excelencia, una película que parece no pasar de moda, ya que tiene cierta similitudes con ella.

Otra curiosa película que podemos englobar, entre otros, dentro del género del romance es la película Persiguiendo a Amy del director, siempre original, Kevin Smith. Y tan original como su director, es la historia que vemos en esta película, dos amigos que se dedican a dibujar cómics conocen un día a una chica, de la que una de ellos se enamora, hasta el día que se entera de que es lesbiana, pero pese a todo decide darle una oportunidad como amiga, ya que quiere seguir conociéndola.

Como en todas las películas de Kevin Smith, tiene una gran importancia la comedia, pero en este caso da un salto más allá para crear un drama teñido de comedia, donde los diálogos divertidos e irreverentes tienen un trasfondo más allá de la pura diversión. Se cuenta una historia de personas, de interrelaciones, y ¿como no? de amor, de las diferentes clases de amor.

También Wall·E se puede incluir dentro de este género dada la bonita historia de amor existente entre los dos protagonistas, incluso sin necesidad de palabras.

Tampoco puedo olvidar mencionar, como ya he dicho antes, Love Story, quienes la hayáis visto sentiréis algo en vuestro interior solo con leer su nombre, quien aún no la haya visto que prepare un par de cajas de klinex.

Otra película romántica más que típica pero que siempre me ha divertido es 10 razones para odiarte, donde debuta un moreno Heath Ledger, en una película que a pesar de ser típica es también original en muchos puntos.

También quiero recomendar una película que probablemente no tenga mucha relevancia pero que me sedujo cuando la vi, por la frescura y naturalidad que emanaba, Enamórate, me sorprendió gratamente.

Nada es lo que parece en esta extrañísima serie de anime ambientada en los suburbios de Japón que cuenta como protagonista con una joven de 14 años, Lain Iwakura, una chica introvertida y rara. Cada capítulo supone una auténtica rayada mental en la que no sabes si lo que está ocurriendo es real o si lo que siempre has concebido como real es una mera farsa inventada.

La serie comienza con una escena que impacta, una chica llamada Chisa Yomoda se dispone a lanzarse desde lo alto de un edificio, pero sin embargo sonríe. A partir de ese momento sus compañeros de clase comienzan a recibir extraños correos en su nombre, donde dice que ella está viva y que está con Dios. Uno de esos correos llega hasta Lain, quien hasta el momento no ha sentido ningún tipo de atracción por el mundo de la Red, tras leer el correo de Chisa quiere descubrir más sobre lo ocurrido y le pide a su padre un ordenador para navegar por la Red y hallar las respuestas que busca.

Capítulo a capítulo vemos como la vida de Lain se integra más y más en la Red hasta que lo único que realmente le importa es su vida en Internet. Se desvincula tanto de la vida real hasta el punto de que su única amiga, Alice, comienza a preocuparse por ella y trata de que se relacione más con las personas saliendo con ella y sus amigas. Pero Lain se ve arrastrada cada vez más a la Red, descubre más cosas y gradualmente se convierte en un ser importante en la Red, como si siempre hubiera formado parte de ella, conforme gana prestigio en el mundo virtual incrementa su poder. Pero ese poder parece traspasar las barreras de la Red y de la vida real, hasta el punto de que sus amigas reales reciben rumores sobre la Lain de la red, una Lain distinta, con otra personalidad, (e incluso otras personalidades). La pregunta que ella misma se hará será:


En la serie se tratan temas integrados en el cyberpunk, como teorías conspiratorias, el inconsciente colectivo, Internet, la idea de un Dios, la tecnología y su alcance...

La serie consta de trece episodios de veinte minutos cada uno, emitidos por primera vez durante el año 1998, cuando realmente Internet estaba en un punto más básico. Las referencias y los nombres que aplican a los distintos elementos tecnológicos no son los que conocemos hoy en día, en vez de Internet en la serie la Red es conocida como Wired. Los ordenadores mostrados están basados en diseños Apple, y se llaman Navi (de navegador), etc.

Para acabar el post, no puedo dejar de mencionar la música de entrada de cada capítulo, una canción realmente buena, llamada Duvet, de bôa. Te enamorarás con la primera nota.

Susan E. Hinton nació en 1950 en la ciudad de Tucsa, Oklahoma. Su talento literario se manifestó muy pronto escribiendo en sus años de adolescencia los libros que a ella le hubiese gustado leer pero que no encontraba en las librerías. Con tan solo diecisiete años envió uno de sus escritos a una editorial y se lo publicaron, se trataba de Rebeldes (Outsiders), libro que se tradujo a varios idiomas inmediatamente y que al año de su publicación fue seleccionado por el New York Herald Tribune como "el mejor libro dirigido a jóvenes y libreros", llegando a vender más de nueve millones de ejemplares ese mismo año. Hizo sus primeros estudios en la Will Rogers High School. Rebeldes le dio la fama a su autora que abandonó sus estudios para dedicarse por completo a la literatura. Su siguiente gran historia se publicó bajo el título La ley de la calle (Rumble Fish) corriendo la misma suerte que su ópera prima.

Sus libros van dirigidos a un público juvenil e infantil y su escritura se caracteriza por un gran realismo lleno de una fuerza desgarradora que habla de los conflictos a los que tienen que hacer frente jóvenes marginales cargados de problemas personales y sociales. Estos jóvenes no tienen una esperanza de futuro por lo que viven arraigados a un presente que es lo único que tienen, y a otros chicos como ellos que son las únicas personas con quien pueden contar, conviviendo a diario con la violencia, las drogas, las bandas y el crimen.

Posteriormente escribió obras de menor envergadura, Esto ya es otra historia, de 1971, y Tex, de 1975, ambas aún no he tenido la oportunidad de leerlas y también han sido adaptadas al cine por directores desconocidos, que no vienen al caso. Me llama la atención sobre todo la primera de ellas.

Siguiendo el rastro literario de Hemingway se vino a España con su marido donde compraron unos acres de tierra en un pueblo del sur. Allí disfrutaron de la naturaleza y el ambiente español hasta que su marido consiguió una plaza de profesor en California y regresaron a los Estados Unidos.

Personalmente me quedaría corta al decir todo lo que esta autora significa para mi, la descubrí como ya he dicho, con 14 años en su libro Rebeldes, que me hicieron leer en el colegio, por lo que estoy infinitamente agradecida, ya que me hicieron descubrir una autora que se expresaba como nadie y unas historias que se conservarían en mi memoria para siempre, sus palabras escritas me hicieron soñar y me hicieron sentir.

El famoso director de cine, Francis Ford Coppola, nació el 7 de abril de 1939 en Detroit, Michigan, en el seno de una familia de artistas, su padre Carmine Coppola era director de orquesta y su madre, Italia Coppola, actriz. Tras sus estudios de Artes Dramáticas y Teatrales su carrera comenzó en 1963 escribiendo el guión y dirigiendo Dementia 13, un largometraje de terror de bajo presupuesto, que se convertiría en la primera de las más de veinte películas que tiene en su haber, muchas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, así como por el público espectador, siendo sus obras más reconocidas y alabadas las dos primeras partes de El Padrino, sin olvidarnos de la gran Apocalypse Now.

No quiero entrar más en la filmografía de este director porque extendería exageradamente el post y las únicas películas que nos ocupan en él son las relacionadas con Susan E. Hinton: Rebeldes y La ley de la calle.

Sus esfuerzos no se han desarrollado tan solo como director de cine, sino que también ha ejercido en múltiples ocasiones como productor, y se ha dedicado a otros negocios fuera del mundo del cine. En su vida familiar es padre de Roman Coppola, director de películas y videos musicales, y de la ya conocidísima Sofia Coppola, actriz, directora, productora y guionista, asi como tío del actor Nicolas Cage. A lo largo de su carrera como director ha cosechado numerosos premios llegando a conseguir 5 Oscars de la Academia, 4 de ellos por sus conocidísimas El Padrino y El Padrino II.

Coppola realizó de forma consecutiva, en 1983, las adaptaciones de estas dos novelas, primero Rebeldes y posteriormente La ley de la Calle. Las dos películas están consideradas entre sus obras más personales y arriesgadas, y en mi opinión mejores, por su sencillez y su magnífica adaptación a la novela, haciendo que tus ojos disfruten en cada imagen cada línea de los libros. Consigue retratar a la perfección ambos relatos de esos jóvenes rebeldes que tienen su propia forma de vivir la vida, aferrándose a la esperanza y a las personas que tienen.

A estas alturas no es un tema discutible que Rebeldes se ha convertido en todo un clásico de la literatura juvenil, dada la gran influencia que ha tenido tanto en sus lectores como en otros autores del género.

La historia está contada en primera persona por el personaje principal, Ponyboy Curtis, un adolescente huérfano que vive con sus dos hermanos mayores tras la muerte de sus padres, en ese momento tan trascendente de su vida todo lo que tiene de valor son sus dos hermanos y sus amigos, la banda de los Greasers, quienes están siempre en guerra con los Socs, los chicos ricos del lugar.

La autora no se limita a contarnos una historia de guerra entre pandillas, nos cuenta una historia de personas, de emociones, de esperanzas, de vida y de muerte. Una historia memorable que nunca se borrará de tus recuerdos. Y todo ello contando con tan solo 16 años, como ya he dicho, cuando la escribió, lo que la hace inmensamente más valiosa. Nos muestra en profundidad como es el protagonista, como son cada uno de sus amigos, e incluso ahonda en aquellos que él siente como enemigos, nos muestra la claridad y la oscuridad, el color y los grises de cada personaje, para que los comprendamos, para que sintamos quienes somos en realidad, quienes son cada uno de ellos y como el mundo se equilibra y desequilibra con cada respiración.

La historia engancha desde la primera palabra, resulta fluida e interesante, al principio conoces a los personajes, como son, tanto en lo bueno como en lo malo, como los ve el protagonista, como se relacionan entre ellos, sentimos la importancia que tiene la familia y la amistad en cada una de sus palabras y el peso que tienen en su vida las clases sociales, las bandas y la violencia. Sin decaer en ningún momento nos lleva a través de la narración hasta un final que encogerá el corazón más helado.

No quiero destripar nada a quien no haya disfrutado de esta magnífica historia así que solo añadiré lo especial que es también la última frase del libro, y lo que ella conlleva.

Personalmente, ya he dicho lo importante que Rebeldes fue para mi en su día y como ha continuado conmigo a lo largo del tiempo. Susan E. Hinton nos cuenta la historia de forma intensa y con expresión desgarradora que llegaron a lo más profundo de mi alma. Para mí Rebeldes siempre será uno de mis recuerdos más especiales.

SINOPSIS: Ponyboy Curtis es un adolescente huérfano que pertenece a la banda de Los Grasientos. Sus dos hermanos y todos sus amigos forman parte de la banda. Controlan su territorio y a la banda rival, Los Dandis. Una noche, como resultado de una pelea, uno de Los Dandis muere acuchillado. Ponyboy y su amigo Johnny deciden huir. CRÍTICAS:
- Dos bandas de adolescentes rivales. Algunos todavía van al colegio asidos a un futuro con esperanza. Otros son jóvenes marginados (o desplazados: "outsiders") acicalados de gomina. Casi todos a la búsqueda de un sitio en una sociedad en la que no se ven reflejados, y en la que el camino más recto conlleva una fácil tentación por la violencia. Con esta historia, Coppola entrega un interesante drama con un reparto repleto de jóvenes promesas del cine americano de los años ochenta. Si fuera un estreno de hoy, invadidos por el cine adolescente plano y tontorrón, "Rebeldes" sería considerada al instante lo que es ahora, un film de culto, además de un gran éxito de taquilla; en su época, en Estados Unidos, crítica y público la ignoraron por completo. Ella misma fue una "outsider" de cine independiente firmada por un tipo que tenía varios Oscars en su casa. (Pablo Kurt)
- "Bonita y maldita, Coppola dio la primera oportunidad a un grupo de chavales que más tarde habitarían el cine americano" (Carlos Boyero: Diario El Mundo).

La película supone una perfecta adaptación del libro, trasladando la magia del libro a las imágenes de la película, contando por supuesto que una película nunca podrá superar a un libro por magnífica que sea su adaptación. El conocimiento de los personajes en la película no llega a ser tan exhausto en la película como lo es en el libro, pero para aquellos que hemos vivido el libro la película resulta un claro homenaje, donde disfrutamos de cada escena y de cada gesto, porque ya lo hemos sentido, porque conocemos y amamos a cada uno de ellos.


Como anécdota Susan E. Hinton aparece en la película en el papel de una de las enfermeras del hospital.

Como ya hizo en Rebeldes, Susan E. Hinton, se viste del personaje principal, en este caso Rusty James, para contarnos la historia en primera persona, y como también sucedía en Rebeldes esta historia se trata de recuerdos, esta vez más lejanos en el tiempo pero tan cercanos en la mente como si hubieran ocurrido en el trascurso de unos segundos.

La ambientación de la novela es la misma, el mismo tipo de personas, el mismo tipo de lugar, el mismo tipo de problemas: pandillas, amigos, violencia, familia, diferencias sociales, un mundo marginal que debe vivir con lo que tiene y con quienes le rodean, en un lugar donde lo importante no es tanto sobrevivir como estar vivo. Pero a diferencia de Rebeldes, donde a pesar de todo reinaba la luz y la esperanza en el corazón del dulce Ponyboy, que siempre sería dorado, en La Ley de la Calle reina más la desilusión, donde lo más importante es reinar en el pequeño universo que es el barrio marginal en que residen los personajes, como el Pez Luchador (Rumble Fish) en su pecera.

Con La Ley de la Calle, Coppola hizo algo más que adaptar la novela a la pantalla grande, la dio su propio idioma al rodarla en blanco y negro, a excepción de la aparición de unos peces de colores encerrados en una pecera, como el único elemento de color de la cinta, una metáfora, un punto de inflexión, una y mil lecturas que rompen el esquema. Y es que a diferencia de en la novela donde Rusty James es el narrador, en la película vemos las cosas como las ve su hermano, que al ser daltónico casi no aprecia los colores, nos perdemos en la mirada del Chico de la Moto.


El personaje principal será encarnado por un magnífico Matt Dillon, quien ya fue Dallas en Rebeldes, y su idolatrado hermano mayor, el mítico Chico de la Moto, será un joven Mickey Rourke en uno de sus mejores interpretaciones. Aparece de nuevo Diane Lane, igual de preciosa que en Rebeldes.