Fuente: Filmaffinity

La tercera entrega, a mi modo de ver, toma del libro todos los momentos románticos (obviamente ñoños) y les lleva aquí a la enésima potencia, haciendo de esta cinta una serie de ñoñerias sin fin que no tienen ni pies ni cabeza. Una de las cosas que me encantaba del libro en cuestión es que contaba con muchísima más acción que sus predecesores, para mí era el punto culminante de la acción de la historia, que iba increscendo desde el primer libro hasta llegar al tercero y posteriormente bajar de nuevo para tomar una perspectiva diversa en Amanecer. Pues bien, toda esta acción que yo esperaba y que tan magnífica parecía en el trailer, se queda en eso, lo que ves en el trailer. De todo el tostón de película yo diría que unos diez minutos o cuarto de hora son lo que equivale realmente a algo de acción y los dos ñoños de turno dejan de hablar, de darse besitos y de ser dos seres tan vomitivamente empalagosos (y casi ni en estos diez minutos dejan de serlo...).

Además de la acción vista en el trailer lo único que nos muestran a mayores en la cinta es los mordiscos, las mutilaciones... (la carnicería vamos), pero en la versión cinematográfica no se les ocurre mejor manera de convertir la película en disney total y que no se vea una gota de sangre que convirtiendo a los vampiros en una especie de ¿hombres de hielo? que cuando les cortas una mano, por ejemplo, se rompe como si fuese de hielo, literalmente... solo tengo una palabra: ¡Ridículo!, si ya en la primera película la poca acción que se mostraba cumplía de sobra con las expectativas respecto al libro y se veía, ¡oh, Dios mío!, sangre... en esta tercera película el tal David Slade decide que eso es demasiado y alé todos convertidos en trocitos de hielo (¡mi no comprender!).


Y hablando del director, me llama la atención que teniendo en su filmografía dos películas como Hard Candy y 30 días de oscuridad, aquí sea tan remilgado y empalagoso a la hora de construir una historia de ¿amor? (no me canso de decir ñoñerías). Hard Candy nos cuenta de una manera en la que el suspense te hace agarrarte a la butaca cómo una niña, magníficamente interpretada por Ellen Page, le da la vuelta a la tortilla en lo que a juegos de pederastas se refiere. Se trata de una película que si bien no cuenta con una sola gota de sangre te mantiene continuamente el estómago encogido. En el caso de 30 días de oscuridad, se trata de una historia de vampiros totalmente diferente, llena de sangre, vísceras y escenas tensas por doquier, no puedo compararla con el cómic que adapta puesto que no lo he leído pero la película en sí me gustó bastante. Y resulta que ahora llega a Eclipse y hace... ¡esto!: Slade, por favor, deja las "supuestas" historias de amor que no te sientan bien ni a ti ni a los que tenemos que verlas después...

La película comienza bien, una escena oscura, una ciudad tenebrosa en la que un chico solo siente que algo lo observa, que algo lo persigue, hasta que lo encuentra y se muestra, ¡oh, Dios mío!, las únicas tres gotitas de sangre de la película cuando una garra corta la piel de su mano. A partir de ahí la película es un coñazo. Y no es que yo quiera que Eclipse se convierta en una película gore ni mucho menos, pero desde luego su historia tiene mucho más fondo que una sucesión sin fin de escenas ñoñas que solo me daban ganas de vomitar (desde luego ya empecé a ver la película con esas ganas puesto que antes tuve que tragarme el "maravilloso" trailer de la versión española de A tres metros sobre el cielo... como si no tuviesemos bastante con el asco de novela, la versión cinematográfica italiana... ahora van y la importan a España. ¡Empiezo a pensar seriamente que se acerca el apocalipsis y el fin de los tiempos!) y una acción más interesante que un montón de trocitos de hielo rompiéndose, entiendo que quieran dulcificar un poco lo sanguinario del libro en una película para todos los públicos y que va a estar plagada de niñas ansiosas por ver a su adorado Edward, pero el resultado de la película es de auténtica vergüenza.

En fin, que me quedo con Luna Nueva, puesto que de Amanecer (las dos películas que por lo visto sacaran del libro) no espero demasiado visto lo visto y teniendo en cuenta que mi libro favorito de la saga es Eclipse, después Luna Nueva y la primera y última entrega empatan, ninguna me llama más la atención que la otra. En cualquier caso las veré (debo ser masoca, sí) ya puestos, así que ya os contaré cuando llegue tan ¿esperado? momento.

Y si en esta ocasión tengo que recomendaros algo, me decanto por recomendar el libro y esta imagen tan bonita que algún hábil fotógrafo nos ha dejado para la posteridad.

La cinta comienza bañada en sangre, un hombre en su celda quema un plástico hasta obtener un filo lo suficientemente cortante tras lo que se corta las venas de la manera más eficiente... después la acción nos traslada a la llegada de Juan Oliver, novato funcionario de prisiones que se presenta el día anterior a su primer día de trabajo para conocer las instalaciones, a los compañeros, el ambiente de la prisión... vamos lo que pocos harían en realidad porque para perder un día de vacaciones por voluntad propia ya hay que tener ganas jeje. La cárcel es antigua y no está en muy buen estado, el desprendimiento de un pedazo de yeso del techo golpea en la cabeza al nuevo carcelero dejándolo inconsciente, al tiempo que se produce un motín en la cárcel. Los compañeros funcionarios, apresurados por salir de la zona de riesgo lo dejan dentro de una celda. La celda 211. Poco después Juan recupera la consciencia y descubre desde el interior de la celda lo que está ocurriendo fuera de ella. Con premura se dispone a hacerse pasar por un nuevo preso y es llevado ante Malamadre, el rey del cotarro.

Mientras veía esto pensaba: ya es mala suerte que todos los sucesos coincidan para llevar al protagonista a esa situación, pero lo que sientes al final de ella es cómo la vida puede cambiar en tan solo un segundo, por capricho del destino, por mala suerte, y todo tu mundo puede verse arrasado y volcado.

La cinta es fluida y directa en todo momento, la acción se sucede de forma vertiginosa llevando tanto al novato funcionario que se hace pasar por preso como a Malamadre y al resto de presos de la cárcel a una evolución que les condenará a todos a un mismo final. Vemos cómo el novato quiere salir de allí pero no puede evitar sentir cierta simpatía al tiempo que miedo por Malamadre, un personaje realmente sin igual, que se rige por sus propios principios, algo de lo que la mayoría de sus compañeros carece por completo, cómo entre ambos nace una extraña amistad que no podría haber ocurrido en ningún otro lugar ni tiempo, cómo la policía y los funcionarios en el exterior discuten sobre lo que hay que hacer, los mil caminos que cada uno de ellos tomaría, desde el más cruel y despiadado pasando por el puro egoísmo hasta llegar a la auténtica preocupación por la esencia humana, ya sea libre o condenada. Cada personaje tiene su propia visión de las cosas, visión que va cambiando y convulsionando conforme avanza la película, convirtiendo a los buenos en malos, a los malos en buenos, o en el fondo lo que realmente todos somos: personas con mil tonalidades que nunca sabremos cómo responderíamos ante algo así hasta que nos encontramos inmersos en ello.

Mucho más podría contar acerca de la película y los grandes valores y aciertos que tiene pero descubriría demasiado para aquellos que aún no la hayáis podido disfrutar y os aseguro que tenéis que verla sin saber nada, tan solo dejaros llevar por este micromundo carcelario.

Las actuaciones de la película constituyen un gran acierto. El siempre increíble Luis Tosar se mete en la piel del carismático y temible Malamadre, que si bien es fiero también podía haber sido un cachorro si su vida hubiera sido otra. Alberto Ammann debutando en un espléndido papel, metido hasta la médula en la historia que vive Juan Oliver, un magnífico descubrimiento para el cine español en mi opinión. El siempre cumplidor Antonio Resines haciendo de malo como el funcionario más duro y cruel de la prisión, Utrilla. También aparece Carlos Bardem en una magnífica actuación como Apache, si bien no me acaba de convencer que le convirtieran en panchito jeje, pero da perfectamente el pego. Entre otros.

La película Celda 211 supuso la adaptación de la novela homónima escrita por el periodista Francisco Pérez Gandul, dirigida por Daniel Monzón, quién también ha tomado parte en el guión.

Celda 211 se convirtió en la película más aclamada en la XXIV edición de los Premios Goya, ganando ocho estatuillas de dieciséis nominaciones, entre ellas mejor película, mejor actor para Luis Tosar, mejor actor revelación para Alberto Ammann y mejor director. La coincidencia de Ágora de Alejandro Amenábar en el mismo año, que tuvo que conformarse con verse premiada en aspectos más técnicos, convirtió la gala en la más vista de la historia y supuso un gran encumbramiento para el cine español, cojo desde hace tanto tiempo. Ambas películas fueron, por supuesto, las más premiadas y alabadas.

Y lo dicho, después de ver Celda 211, confío que salgan a la luz más talentos como Amenábar y Daniel Monzón que hagan resurgir el cine español haciéndole un hueco en el resto del mundo. No os perdáis esta magnífica película.

La película ya tiene solera, rodada en 1979, está considerada como un clásico imprescindible. Está basada en la adaptación de la novela El corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX, trasladando la acción a la guerra de Vietman.

En 2001, también en el festival de Cannes, Francis Ford Coppola presentó un nuevo montaje de la película, en la que se ampliaba su metraje hasta las tres horas y media de duración, bajo el nombre de Apocalypse Now Redux, consiguiendo que la película de culto de 1979 no defraudase a nadie, manteniendo la esencia de la película original y profundizando en ella. La versión inicial del rodaje era de cuatro horas que tuvieron que ser recortadas a la mitad para su estreno comercial a finales de los años 70. Personalmente la película no se me hizo en absoluto larga, sino simplemente perfecta.

En Apocalypse Now conocemos al capitán Willard, interpretado por un joven Martin Sheen, que es enviado a Vietman en busca del Coronel Kurtz, en la piel de Marlon Brando, un ex-boina verde que parece haber enloquecido creando una especie de religión en la que los nativos lo adoran y su propio ejército lo protege, llevando a cabo su propia forma de hacer la guerra con acciones brutales, a ojos de los militares al mando. Recorremos con Willard este largo viaje, encontrando a su paso miles de maneras de hacer la guerra, la de cada uno de los soldados que viven en ella.


En su viaje tendrá su propio equipo de compañeros, personajes que cambiaran con él, cada uno a su manera, algunos bajo el efecto de las drogas, otros encerrados en sus propios miedos, pero todos embarcados en la misma locura que se apoderó de Kurtz, van perdiendo las nociones de la realidad. Willard se planteará su misión, debe matar a uno de los suyos, lo que le hará considerar de qué bando está y le llevará a pensar en la propia raíz de la que germina una guerra, la lucha entre el bien y el mal, pero ¿quién dice qué es el bien y qué el mal en un lugar como Vietnam?. Se dejará seducir con cada gota de información que lee sobre Kurtz hasta llegar a convertirse en un ser similar al que han enviado a cazar.


Lejos de contar la historia de un héroe, Coppola nos muestra sus puntos débiles, su propia hipocresía, la ética en un mundo donde nada tiene sentido. En el viaje de Willard el propio espectador se deja seducir por la larga búsqueda del Coronel Kurtz, un personaje que se va construyendo desde su ausencia, carismático, enfermizo... hasta llegar a su propio universo, un lugar creado por él y para él, en el que aparece, por fin, su figura entre luces y sombras, haciéndote sentir que quieres más de ese personaje por el que has batallado durante todo el metraje.


En este punto solo existe una opción, dejarse llevar con su propio fanatismo, por la filosofía que cubre su universo, por la contradicción del propio Willard que se debate entre la atracción y el rechazo, entre el amor y el odio, hasta descubrir que tan solo es un ser humano que está roto y obrar llevado tanto por el amor como por el odio que siente por Kurtz.


Los escenarios y la propia historia van sumiéndose en una especie de irrealidad, en una nube surrealista y simbólica que contrastará con la guerra que acaba convirtiéndose tan solo en un telón de fondo.

No se puede negar que Apocalypse Now cuenta con escenas imprescindibles en la historia del cine, para empezar su introducción, el comienzo con la perfecta canción de The Doors, The End, perfectamente sincronizada con la imagen y el significado. Otro momento inolvidable es el de los helicópteros listos para bombardear el pueblo vietnamita al ritmo de La Cabalgata de las Walkirias de Wagner.

"My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam."

Esta frase del propio Coppola sobre la película pronunciada en su presentación en Cannes ha quedado para la posteridad, "Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietman, esto es Vietman", dado el auténtico infierno en que se convirtió su rodaje en las Islas Filipinas, en el que el propio Coppola perdió 27 kilos. El final de la cinta original, en el que Willard y Kurtz aunan fuerzas y repelen un ataque aéreo complicado, fue escrito de forma precipitada y a Coppola nunca le gustó. Él estaba buscando un final más esperanzador y en Apocalypse Now Redux la película termina con Willard en un bote, en superposición a la cara del ídolo de piedra hasta desvanecerse en negro donde aparecen los créditos de la película.

La película está plagada de caras conocidas hoy en día, aunque en su día el gran reclamo de la película era el actor Marlon Brando, valoradísimo en aquella época y con el ego un poco subido, lo que le costó a Coppola más de un disgusto a mayores dentro del rodaje. Se cuenta también que Martin Sheen sufrió un ataque al corazón en medio del rodaje, de lo que no cabe duda es de que fue un rodaje y una película dura como pocas.


Entre el resto de caras conocidas encontramos a Robert Duvall como el Coronel Kilgore, un hombre empeñado en hacer surf en medio de un bombardeo y alimentado por el olor a Napalm.


Un jovencísimo e irreconocible Laurence Fishburne en su debut cinematográfico como el miembro más joven del equipo que acompaña a Willard.


Un joven Harrison Ford cuando su rostro apenas comenzaba a ser conocido tras su participación en la primera entrega de La Guerra de las Galaxias, Dennis Hopper como fotógrafo seducido y entregado al universo creado por Kurtz, y Frederic Forrest como otro de los miembros del equipo que se embarcará con Willard en su loca misión y uno de mis personajes favoritos dentro de la película.


Como anécdota el cameo del propio Coppola que aparece fugazmente como reportero de televisión en una de las escenas de la película diciendo a la gente que actuase como si no estuvieran allí, en medio de una guerra. Me resultó tremendamente surrealista y fantástico.


Frases impactantes para una película imprescindible:

- "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

-"He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!". Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)

- "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto...". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

- "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras". Capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen)

"— ¿Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho?
— ¿Qué es?
— Es Napalm. Nada del mundo huele como eso. Me gusta el olor del napalm por la mañana. Una vez durante doce horas bombardeamos una colina, y al acabar subí, no encontramos ni un cadáver de esos amarillos de mierda. Que pestazo el de la gasolina quemada. Aquella colina olía a... a victoria. Algún día acabará esta guerra".
Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- "Me sobran cojones para hacer surf en esta playa". Coronel Kilgore (Robert Duvall)

"— Pero coronel, no podemos ir allí, Charlie está al acecho.
— ¡Charlie no hace surf!."
Coronel Kilgore (Robert Duvall)

- "Yo solía pensar que si moría en un lugar malvado, entonces mi alma no iría al cielo. Entonces, maldita sea. No me importa a donde vaya siempre y cuando no sea en este lugar". Jay "Chef" Hicks (Frederic Forrest)

- "Estáis peleando la nada más grande de la historia". Hubert de Marais (Christian Marquand)

- “Juzgar a alguien por asesinato en esta guerra sería como poner multas de velocidad en la carrera de Indianapolis.”- Willard (Martin Sheen)

- “No le niego un trago de agua a un hombre que tiene las tripas fuera”. Coronel Kilgore (Rober Duvall)

- “La mierda se amontona en Vietnam con tanta rapidez que necesitas alas para no mancharte.” Willard (Martin Sheen)

En sus novelas, Lehane utiliza generalmente la ciudad como inspiración, retratando la vida de grupos inmigrantes o marginados, como irlandés de ascendencia que es también construye un retrato de esta cultura resaltando el peso del catolicismo en algunos de sus personajes. Sus historias se engloban dentro del género policíaco y la novela negra.

Shutter Island se convierte en su novela más reciente adaptada al cine, aunque desde luego no la última puesto que ya está previsto que un relato incluido en Coronado: Stories, libro que aún no ha llegado a España, de igualmente su salto al cine. En Shutter Island cambia de registro y abandona la urbe para acercarse a una pequeña isla cercana donde sucederá toda la trama de la historia.

La historia sucede en el verano de 1954. Dos agentes federales, Teddy Daniels y su nuevo compañero Chuck Aule, viajan a una de las islas cercanas a Boston, Shutter Island, donde está ubicado el hospital Ashecliffe, un centro penitenciario para enfermos mentales, en el que ha desaparecido una paciente, Rachel Solando.

Con este punto de partida Dennis Lehane nos llevará a leer, de forma obsesiva, las páginas de Shutter Island en busca de la verdad: sobre Ashecliffe, sobre la isla, sobre métodos experimentales muy alejados de la ética humana, sobre el propio Teddy Daniels y su amada Dolores, sobre el hombre que le ha llevado hasta allí, sobre las razones por las que se encuentra en una isla de la que es imposible huir. Una frenética historia que te traslada a un mundo de locos en el que se encuentra atrapado el protagonista.

Basada en la novela de Dennis Lehane y a manos del gran director Martin Scorsese, Shutter Island da el salto a la gran pantalla con gran maestría, manteniendo el espíritu oscuro y de suspense del libro y regalando al autor un gran homenaje al libro y su magnífica historia.

La película comienza en el barco que transporta a los agentes federales, Teddy Daniels y Chuck Aule, desde la ciudad de Boston hasta una pequeña isla llamada Shutter Island donde se ubica una institución mental para presos de la que ha escapado una de las pacientes, Rachel Solando.

Desde esta premisa se va deshilando la verdadera historia que ha llevado a Teddy Daniels a esa isla, la búsqueda de Andrew Laeddis, un pirómano culpable de la muerte de su esposa, Dolores se le aparece constantemente en visiones guiándole a través del pasado y del presente; y la búsqueda de la verdad acerca de Ashecliffe, y es que nada es lo que parece en esa isla en la que Teddy está convencido de que se llevan a cabo experimentos de dudosa ética con los reclusos. Una tormenta los deja atrapados en la isla y allí los recuerdos y conflictos del protagonista salen a la luz llevándole hasta la sima misma de la locura, en un lugar en el que tan solo se puede estar loco.

El protagonista de la cinta, Teddy Daniels, está encarnado, como en otras cintas del director, por Leonardo DiCaprio, en una buena actuación y desarrollo del personaje por parte del actor. A su lado Mark Ruffalo, será su inseparable compañero Chuck Aule. Ben Kingsley se mete de forma perfecta en la piel del doctor Cawley, el jefe de psiquiatría y hombre a cargo de la institución. Michelle Williams aturde la mente de Teddy en las apariciones de Dolores que lo acompañan en su camino por la isla. Y en una de las mejores escenas de la película (también del libro) Jackie Earle Haley se interna en George Noyce para llevar al protagonista al epicentro mismo de la trama.


Como ya he dicho, desde mi punto de vista, la película es un gran homenaje al magnífico libro en que se basa, fiel incluso en pequeños detalles que no resultan tan pequeños. Cabe destacar entre todo el metraje dos escenas, la imagen de Dolores desvaneciéndose húmeda entre el fuego que azota la habitación y el encuentro entre Teddy Daniels y George Noyce, magníficamente interpretado por Jackie Earle Haley, a través de la reja de una celda en la que Teddy no puede penetrar pero sí su amada Dolores. El final resulta mucho más rápido de lo que me hubiera gustado, mientras que en el libro se toma el tiempo necesario para llevarte a través de cada una de sus palabras.

La isla de Shutter Island y la institución de Ashecliffe resultan unas magníficas recreaciones de lo que el libro quiere expresar y la historia necesita ubicar. Así como el ambiente oscuro y que te deja en ocasiones sin aliento, magníficamente conseguido.


Y no revelo más porque lo verdaderamente importante e interesante está en la experiencia misma de vivir la historia de Shutter Island por lo que os recomiendo encarecidamente tanto la lectura del libro como la visión de la película. Si bien el libro es magnífico en si mismo, la película supone una adaptación buena y fiel.

Título original: The Lovely Bones
Autor: Alice Sebold
Traducción: Alicia Echevarría
Año: 2003


Traducido al español como Desde mi cielo, Alice Sebold nos cuenta en él una asombrosa historia que mezcla la tragedia de la pérdida de un ser querido con la ternura de las relaciones humanas.

El comienzo del libro ya nos indica lo certero que va a ser, como una flecha que se clava, pero el desarrollo del libro hace que esa flecha se convierta en un árbol, que eche raíces y crezca, deslumbrándonos, consiguiendo que la historia de una tragedia se convierta en un canto de vida lleno de esperanza.

"Me llamo Salmon, como el pez; de nombre, Susie. Tenía catorce años cuando me asesinaros, el 6 de diciembre de 1973."

Susie nos cuenta su propia historia, la historia de su vida y de su muerte, de como ahora vive en el cielo, pero es su propio cielo y desde ese lugar vela por los vivos que ha dejado atrás, nos cuenta su historia tanto como la de ella y nos introduce entre una serie de personajes, todos complejos que deben afrontar su muerte y su ausencia, cada uno a su manera.

No es ningún secreto para el lector cómo muere, ni quién es su asesino, un par de páginas después nos relata de forma fría y distante como sucedió, como un vecino del lugar planeó lo que iba a ocurrir, como la violó y le arrebató la vida, y después separó su cuerpo en mil fragmentos.

A partir de ese momento Susie deja de estar en el mundo terrenal para habitar su propio cielo personal, en él recompone su cuerpo y se asoma a la tierra para ver a sus seres amados sufrir su ausencia. En su cielo Susie puede obtener todo aquello que siempre ha querido con tan solo desearlo, excepto lo que más desea, volver con los suyos. Allí deberá afrontar su muerte, comprenderla y asimilarla, y entender como sus seres queridos se enfrentan a su ausencia, cada uno del modo en que puede.

En la tierra su familia vive su desaparición, convive con la esperanza de que ella aún viva, de que aún puedan recuperarla, pero el tiempo transcurre y la muerte de Susie se convierte en un hecho aunque no logren encontrar un cuerpo al que llorar. A ello deben enfrentarse todos aquellos que la amaron: Su padre, obstinado e incansable en busca de la verdad. Su madre, que para sobrellevarlo solo es capaz de ailarse de todo y de todos. Su hermana Lindsay, tan solo un año menor, que tiene que enfrentarse a la ausencia de su hermana y amiga y a las miradas del mundo que ven a Susie en ella. Su hermano pequeño Buck, que aún no es capaz de comprender porque Susie no está en casa. Ray Singh, el chico que le gustaba y que le otorgó su primer beso poco antes de su muerte. E incluso Ruth Connors, una chica con la que tan solo había hablado una vez en su vida, pero con la que se encontró en su camino al cielo y que veía el mundo de una manera muy distinta al resto de personas.

Personalmente la novela me parece fascinante y todos sus personajes realmente especiales. Susie les ve crecer desde el cielo, al tiempo que ella misma madura con ella, con sus decisiones y sentimientos. Los personajes que más me gustan son su padre, su hermana, y curiosamente Hal, el hermano del novio de su hermana.

Su padre dedica su tiempo a descubrir la verdad, y para él no es dificil obtener esa verdad, desde bien pronto sabe quién mató a su hija, pero por más que lo grite a los cuatro vientos nadie puede creer una verdad sin pruebas. Pese a todo su padre se mantiene firme, contra viento y marea, esperando el momento en que él no sea el único que vea la verdad de una forma tan clara.

Su hermana se ve forzada a crecer desde el momento de la desaparición de su hermana, es quién más evoluciona a lo largo del libro, pasa de ser una niña de trece años sin preocupaciones a convertirse en una mujer que debe afrontar ser la imagen de su hermana muerta caminando en vida, ejercer como la esposa de su padre y la madre de su hermano pequeño cuando su madre, aislándose de todo y de todos deja de desempeñar ese papel.

La madre es uno de los personajes que menos me gustan, aunque bien es cierto que el libro te hace comprenderlo, una mujer que siempre tuvo mayores ambiciones que ser tan solo una madre, que estudió y amó lo que estudiaba y soñó con poder enseñárselo a otros que se vio forzada por las circunstancias a dejar de ser una mujer con sus propios sueños para convertirse en la madre de tres hijos y que tras la muerte de su primogénita ve como toda su vida, la que tenía y la que debía haber tenido se desmorona, aislándose, porque es lo único que es capaz de hacer durante largo tiempo.


Susie que en su vida tan solo había vivido un único beso, de los labios de Ray Singh, poco antes de su muerte, presencia lo que ella nunca vivirá, como su hermana es amada por otro chico de su edad, Samuel Heckler, quién se convertirá en su alma gemela y amigo fiel. Su hermano mayor Hal, que tiene un taller de motos, en mi opinión es también uno de los personajes que aporta más a la trama sin casi parecer que está ahí. Lo hace cuando es necesario, es inteligente para saber lo que debe decir y a quién y también para desaparecer cuando no debe estar ahí. Durante toda la trama no puedo sentirlo más que como un ángel de la guarda que cuida de la familia Salmon sin apenas ser visto, como si en muchas ocasiones fuese la mano de Susie sobre la tierra sin siquiera saberlo.

Ray Singh y Ruth Connors se hacen amigos tras la muerte de Susie, y viven sus vidas como tal, siempre cerca uno de otro, si no es de distancia sí de corazón. Ambos evolucionan y crecen con el recuerdo de la pequeña Susie. Ella les hace ser en parte lo que serán y ellos la hacen madurar junto con ellos y la fuerza de su amistad.

Son muchos los detalles, personajes y palabras que podría destacar de este libro, así que voy a limitarme simplemente a recomendároslo encarecidamente. Es un libro que ante todo te hace sentir, te hace crecer con ellos, comprenderlos incluso cuando no hay explicación a sus actos, y hacerte sonreír ante la fuerza de las relaciones entre sus personajes, relaciones creadas o vividas tras una tragedia como la muerte de una pequeña, pero lejos de hacerte llorar por su ausencia puedes sentirte reconfortada con saber que está ahí, que siempre estará ahí y que el amor todo lo cura y lo devuelve a su sitio. Realmente inspiradora y magnífica.

La película, a mi modo de ver, es una auténtica destrucción de la esencia del libro, y es que Peter Jackson parece más preocupado por deslumbrarnos con una serie de efectos visuales de gran belleza mientras pierde de perspectiva una historia que deslumbra por sí misma.

Los personajes en la película son realmente planos, entre ellos solo cabe destacar a la pequeña Susie Salmon, encarnada magníficamente por Saoirse Ronan, que se convierte en el mayor descubrimiento de la película: la pequeña actriz. También Stanley Tucci en su papel de asesino, aunque falta que se le otorgue al personaje la inteligencia que realmente posee.


El padre, encarnado sin pena ni gloria por Mark Wahlberg, se dedica toda la película a dar palos de ciego sobre quién podría ser el asesino mientras que en la novela sabe quién es el asesino porque su hija desde el cielo así se lo hace sentir. La madre, Rachel Weisz, lejos de contarnos esa guerra interior que mantiene y ha mantenido siempre entre su propia identidad y ser tan solo la madre de sus hijos y la esposa de su marido, se convierte aquí en un personaje débil y plano que no dice nada. Y qué decir de la hermana, el gran peso de la novela, que aquí apenas aparece un par de veces, en los momentos en que es imprescindible su presencia.


En mi opinión la película resulta realmente floja, se dedica a tratar de atraernos con una serie de efectos visuales dejando de lado todo el intenso desarrollo de los personajes que hace el libro para contarnos simplemente la sucesión de la historia (en un marco mucho más corto, en la película transcurren dos años mientras en el libro son ocho, lo cual me parece comprensible).


Tras lo dicho creo que no hace falta que diga que realmente me decepcionó la película. Entiendo que en ella no se puede hacer un desarrollo tan exhaustivo de los personajes como el que hace el libro, pero en la película resultan realmente planos, sin ninguna sustancia y no tienen nada que ver sus personalidades con las del libro. Peter Jackson se dedica a perder metraje en enseñarnos un cielo lleno de efectos que con la mitad de ellos nos habría más que bastado, hasta el punto de coger fragmentos del libro realmente perfectos y estropearlos de la manera más tonta.


Comento el que más me dolió. En la película: el padre destrozado destruye todos los barcos de vela que construyó con la ayuda de su hija excepto uno, encima de él pone una vela y al ir a dejarla sobre la ventana ve el reflejo de su hija tendiéndole la mano desde el cielo... direis, pues la escena parece bonita, ahora os cuento la del libro y me decis si no es mucho más bonita a poco que se molesten en hacerla: El padre destrozado destruye todos los barcos de vela que construyó con la ayuda de su hija, su hija en el cielo grita deseperada ante el dolor que eso la provoca, tanto a ella como el que sabe que le provoca a él, al final la estancia está llena de fragmentos de cristal que le rodean y tal es el dolor de ella en el cielo que su padre al mirar la estancia cubierta de cristales ve el reflejo del rostro de su hija en cada uno de ellos (nada de "te tiendo la manita" ni gilipolleces de esas) tan solo un segundo antes de desaparecer y el hombre entre lágrimas se echa a reir de forma histérica sabiendo que su hija aún está con él.


Por otra parte Peter Jackson también pierde gran parte del metraje con la abuela Lynn en una serie de escenas de índole ¿cómica?, mientras que en el libro es cierto que existen gran parte de esas escenas pero el personaje de la abuela está en un segundo plano, es un apoyo que trata de dar alegria con su loca personalidad, no un mero chiste ambulante a lo largo de la película con Susan Sarandon como protagonista que es en lo que lo convierte Peter Jackson.


Muchas otras son las diferencias de la película respecto al libro, como el hecho de que la historia transcurra en dos años en vez de en ocho, que Susie Salmon no reciba el beso antes de morir, etc, pero me parecen cambios más comprensibles de cara a que la película pueda ser vista por todos los públicos, lo que tampoco me explico son las escenas sangrientas y desagradables de forma gratuita, como la de la bañera del Stanley Tucci o cuando se cae en la nieve, que en el libro ni mucho menos son tan brutas, para algunas cosas parece que quiere hacer una película Disney y, en cambio, para otras se pasa tres pueblos... ¡en fin!.

Lo dicho, el libro no dejéis de leerlo, es súblime. La película, puestos a perder el tiempo perdedlo en otra cosa...